TÉCNICA DE DIBUJO A LÁPIZEl dibujo es la base de todas las artes visuales y aunque en la actualidad las computadoras parece que realizaran el trabajo por nosotros, ellas por si mismas nunca podrán crear una figura producto de nuestra imaginación.
Como herramienta fundamental del dibujo todos debemos conocer su clasificación tipos y manejo, una de sus principales virtudes es su fácil borrado para poder corregir, pero también para dar un acabado esfumado ósea sin bordes definidos esto de preferencia con lápices blandos y con un tono oscuro.Primero debemos saber que la herramienta por excelencia para el dibujo es el lápiz esta herramienta tiene su clasificación que debemos conocer, se clasifican por su dureza con las letras H duro y B blando y por la oscuridad de la mina comenzando con el 1(muy claro) al 9 (muy oscuro) podemos encontrar un lápiz HB que es un punto neutro entre ambos y los lápices carboncillo negrito clasificados G (graso) y SG (sin grasa)
Trabajos con carboncillo producen tonos más intensos con mayor contraste, pero son inestables por lo que requieren mucho cuidado en su realización para no ensuciar las zonas claras y un proceso de fijación una vez terminados
En el curso de arte deberíamos usar un lápiz 5B ya que es un tono intermedio de los grises
En cuanto al papel Bond se debe saber que estos se distribuyen por peso, el más usado actualmente es el de 75 gramos pero podemos encontrar de 90 o 120 gramos mucho más gruesos y resistentes, al igual que las cartulinas en cuanto a sus formatos podemos encontrar tamaño carta oficio y A4 A3 cada uno con dimensiones estandarizadas
También es necesario que conozcan que el dibujo se puede dividir en 2 dibujo artístico y el dibujo técnico el primero busca transmitir belleza y el segundo información
https://www.youtube.com/watch?v=8wm4YXIvGO0 medir en el dibujo
PROCESO DEL DIBUJO
El proceso del dibujo tiene 3 fases conocidas como:
Pero para un mayor entendimiento vamos a llamar a las etapas de este proceso la por la acción a realizar, estas son:ENCUADRE. - ubicar el objeto a dibujar dentro de la hoja que no quede muy grande o chico proceso similar al que utilizamos antes de tomar una fotografía.
VALORACIÓN. - llamado también sombreado y consiste en aplicar sombra a la figura para que tenga la representación del volumen
PINTANDO A MARÍA
El tema es “Las manifestaciones de la virgen María en el mundo” expresado en dibujo y pintura (podrán realizar sus dibujos sobre cualquier advocación de la virgen, como por ejemplo Virgen del Carmen, Guadalupe, María auxiliadora, Montserrat, Fátima, etc. )
CARACTERÍSTICAS DEL TRABAJO:· el trabajo se presentará se presentarán en una hoja blanca de sketch o cartulina de 24 x 34cm.
· Las técnicas y materiales de pintura son a libre elección del estudiante
La evaluación de los dibujos se realizará teniendo en Cuenta los siguientes criterios: CRITERIOS INDICADORES PUNTAJE Mensaje y Contenido Responden el tema: Las manifestaciones de la virgen en el mundo 06 Composición Referido a cómo se maneja el espacio gráfico, como se ubican las figuras en el dibujo y cómo se maneja los trazos de la obra atendiendo principalmente a su calidad y expresión. 10 Presentación Limpieza, acabado y presentación de la obra 04
Total 20
Que su trabajo no tenga ninguna sospecha de haber tenido ayuda, de usar técnicas del calcado o impresión simplemente con el talento y la dedicación de cada alumno mostremos el cariño que le tenemos a la virgen de Montserrat o cualquiera de sus otras manifestaciones, rindamos este homenaje con una representación cuidada y sentida en estos tiempos de pandemia.
En el curso de arte deberíamos usar un lápiz 5B ya que es un tono intermedio de los grises
El proceso del dibujo tiene 3 fases conocidas como:
· Las técnicas y materiales de pintura son a libre elección del estudianteCRITERIOS | INDICADORES | PUNTAJE |
Mensaje y Contenido | Responden el tema: Las manifestaciones de la virgen en el mundo | 06 |
Composición | Referido a cómo se maneja el espacio gráfico, como se ubican las figuras en el dibujo y cómo se maneja los trazos de la obra atendiendo principalmente a su calidad y expresión. | 10 |
Presentación | Limpieza, acabado y presentación de la obra | 04 |
Total | 20 |
La Virgen con el Niño: el dúo divino que ha inspirado a los artistas por siglos
La Virgen con el Niño o Madonna—un título que generalmente denota una representación visual de la Virgen María y su hijo Jesús—es uno de motivos más famosos en la historia de la pintura. La representación artística de estas figuras, una antigua práctica devota originalmente derivada de las creencias bíblicas, se ha convertido en un tema central en el canon de la historia del arte.
Dada su longevidad, no es de extrañar que esta tradición haya evolucionado con el tiempo, dando como resultado una gran cantidad de obras que van desde íconos divinos hasta representaciones contemporáneas. A continuación, examinaremos el papel de este motivo a lo largo de la historia para comprender plenamente su importancia, tanto en el arte cristiano como fuera de él.
¿Quiénes son María y Jesús?
Interior de la Catedral de Notre Dame (Foto: Fotos de stock por little photographer/Shutterstock)
De acuerdo con la tradición cristiana, María—una mujer judía de Nazaret—fue elegida por Dios para dar a luz a su único hijo, Jesús. La Biblia pone énfasis en el hecho de que María era virgen, embarazada no de su prometido, José, sino por el Espíritu Santo; un fenómeno que, según el evangelio según San Lucas, sorprendió a la propia María.
“¿Cómo será esto?”, le preguntó a Gabriel, el arcángel mensajero enviado por Dios para darle la noticia. “No conozco varón”. El ángel respondió: “El Espíritu Santo vendrá sobre ti, y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por lo cual también el santo ser que va a nacer será llamado Hijo de Dios”.
Así, María aceptó dar a luz y criar a Jesús. Juntos, este par se encuentra entre las figuras más veneradas del cristianismo, por lo que su presencia en el arte tiene mucho sentido.
Representaciones generales de la Madonna en el arte
“La Virgen con el Niño (la Madonna del libro)” por Sandro Botticelli (Foto: dominio público vía Wikimedia Commons)
A lo largo de la historia del arte, la Madonna ha sido representada de muchas maneras. Aunque la Virgen casi siempre aparece con Jesús, hay veces en las que está sola, ya sea en oración, dando una bendición o haciendo un gesto profético. Estos son algunos de los otros formatos en los que aparece:
- Cuando las obras incluyen a Jesús, la Virgen puede aparecer como una figura de cuerpo completo que sostiene al bebé, mientras que este alza la mano en bendición (a menudo hacia el espectador).
- En los retablos, la Virgen y el Niño suelen estar rodeados de ángeles y santos, algo que se conoce como “Madonna en gloria”.
- En otras piezas, particularmente las que fueron creadas en el siglo XIV, María aparece sentada en el piso o sobre un cojín. Más allá de estas representaciones, también se le puede ver sentada (no en el suelo) sosteniendo a Jesús de una manera que parece más maternal que formal.
- Un estilo conocido como “Virgen en adoración” muestra a María arrodillada en devoción a Cristo. Este formato suele verse en retablos más pequeños que los espectadores podían tener para uso personal.
- Finalmente, María también aparece haciendo lo mismo que muchas madres: en ocasiones, la Virgen amamanta a su hijo.
La Virgen con el Niño en la historia del arte
ANTIGUA ROMA
“Virgen con niño con Balaam el Profeta” en las Catacumbas de Priscila en Roma, finales del siglo II (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Como muchas otras tendencias en la historia del arte, la tradición de la Madonna (derivado del término italiano para nuestra señora) se remonta a la Antigua Roma.
La representación visual más antigua conocida de María y el niño Jesús se puede encontrar en las catacumbas de Priscila, una cantera utilizada para entierros cristianos desde finales del siglo II hasta el siglo IV. Esta catacumba es famosa por sus antiguos frescos en paredes y techos, incluyendo una colección inspirada en la Biblia. Además de relatos del Antiguo Testamento, incluyendo el Sacrificio de Isaac y el Juicio final, las pinturas en la capilla griega cuentan historias del Nuevo Testamento; entre ellas está, por supuesto, el nacimiento de Jesús.
Además, las catacumbas de Priscila probablemente albergan la representación más antigua conocida de un ángel en la historia del arte. Juntos, estos “primeros registros” lo han convertido en uno de los sitios más importantes del arte cristiano.
IMPERIO BIZANTINO
Ícono de la Virgen y el Niño entronizados con santos y ángeles en el Monasterio de Santa Catalina, siglo VI. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
EUROPA MEDIEVAL
Duccio, “Madonna con el Niño”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
En la Edad Media, los artistas adoptaron la estética del ícono bizantino para crear su propio estilo de pintura. Algunos pintores italianos como Cimabue y Duccio crearon retratos al temple de María y Jesús basados en el modelo bizantino, especialmente planos planos, figuras sentadas y el uso de pan de oro, un medio cuya popularidad disminuyó a medida que el Renacimiento se acercaba.
PRIMEROS AÑOS DEL RENACIMIENTO ITALIANO
Filippo Lippi, “Madonna con el Niño y dos ángeles”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
En el siglo XV, los pintores y dibujantes italianos comenzaron a experimentar con realismo en su trabajo. Este enfoque marcó el comienzo del Renacimiento temprano o quattrocento, una era ilustrada del arte que duró desde 1400 hasta 1490. Durante este tiempo, los artistas miraron hacia la antigüedad, lo que dio origen a un cuerpo de trabajo que evoca temas clásicos. Si bien muchas obras maestras de este periodo—incluyendo Primavera y El nacimiento de Venus de Botticelli—retuvieron los temas mitológicos preferidos por los artistas clásicos, algunos presentan representaciones naturalistas de María (que parecía adoptar poses más activas e involucradas) y Jesús (que comenzó a parecerse más a un bebé).
RENACIMIENTO NÓRDICO
Jan van Eyck, “La Virgen en una iglesia”, 1438 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Los ideales italianos se abrieron paso gradualmente por el continente, culminando en un Renacimiento nórdico. Este movimiento—que tuvo lugar en los Países Bajos, Bélgica, Alemania, Francia e Inglaterra—comparte la preferencia del Renacimiento italiano por la pintura realista. En sus impresiones de la Virgen y el Niño, artistas como Jan Van Eyck y Robert Campin adoptaron este nuevo enfoque, dando origen a obras que muestran un sentido avanzado de la perspectiva, avanzadas técnicas de pintura figurativa y un interés radical por los entornos terrenales.
ALTO RENACIMIENTO
Rafael, “Virgen del jilguero”, ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Durante el Alto Renacimiento (1490 a 1527), Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rafael y otros artistas italianos llevaron este renovado interés por el realismo a nuevas alturas. Dado que a los artistas ya no les interesaban los motivos mitológicos, cambiaron su enfoque a los retratos comisionados, los estudios anatómicos reales y las figuras bíblicas, lo que incluyó piezas de la Virgen con el Niño cada vez más afables y naturalistas.
IMPERIO MOGOL
“Hoja única de la Virgen y el Niño”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
La Virgen y el Niño no solo aparecieron en el arte occidental, sino que también sirvieron como musa en la pintura mogol. ¿Por qué aparecerían estas figuras cristianas clásicas en el arte indo-islámico? De acuerdo con el Museo Metropolitano de Arte, en el siglo XVI, “numerosos temas cristianos fueron copiados por artistas indios que trabajan a partir de las biblias ilustradas, grabados y pinturas que fueron llevados a la corte mogol por misioneros jesuitas y comerciantes europeos”. Además, las figuras mismas están presentes tanto en el Corán como en el mismo Islam; se cree que María es “sobre todo la mujer de la creación”, mientras que Jesús es visto como el penúltimo profeta y mensajero de Alá.
FRANCIA NEOCLÁSICA
William-Adolphe Bouguereau, “Virgen con el Niño”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Esta iconografía siguió siendo popular durante todo el periodo neoclásico, un movimiento inspirado en el sentido del equilibrio y el enfoque del arte clásico en la figura humana. Mientras que pintores como William-Adolphe Bouguereau buscaron modernizar temas más antiguos—incluyendo a la Virgen con el Niño, a quienes imaginaba como figuras del siglo XIX en un entorno estilizado—sus contemporáneos elaboraron interpretaciones cada vez más vanguardistas.
ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
Mary Cassatt, “Madre e hijo (el espejo ovalado)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons, Dominio público)
A comienzos del siglo XIX, la impresionista Mary Cassatt, nacida en Estados Unidos pero con residencia en París, subvirtió sutilmente los criterios tradicionales de la Virgen con el Niño con una pintura titulada Madre e hijo (el espejo ovalado). A primera vista, esta encantadora pieza se parece a muchos otros retratos maternos de Cassatt. Sin embargo, lo que distingue a la pintura son algunas referencias particularmente discretas. “La mirada de adoración de la mujer y el dulce rostro del niño y postura contrapposto evocan las imágenes renacentistas italianas de la Virgen con el Niño”, explica el Museo Metropolitano de Arte, “una conexión reforzada por el espejo ovalado que enmarca la cabeza del niño como un halo”.
Allan D'Arcangelo, “Madonna y el Niño”, 1963 (Foto: Wally Gobetz, CC BY-NC-ND 2.0)
Siguiendo los pasos de Cassatt, muchos artistas modernos y contemporáneos han adoptado y adaptado el concepto de la Virgen y el Niño. En 1942, Marc Chagall creó La Virgen de la aldea, una representación onírica de María y Jesús flotando en un escenario fantasioso. En 1949, Salvador Dalí fracturó este motivo familiar con La Madonna de Port Lligat, y en 1963, Allan D'Arcangelo le dio un toque de Pop Art a este par con con su Madonna y el Niño, un retrato gráfico de Jackie Kennedy y su hija, Caroline.
Además de mostrar sus propias visiones creativas, estos artistas han revelado una verdad importante sobre la Virgen con el Niño: este antiguo ícono puede ser triunfalmente atemporal.
