El dibujo es la base de todas las artes visuales y aunque en la actualidad las computadoras parece que realizaran el trabajo por nosotros, ellas por si mismas nunca podrán crear una figura producto de nuestra imaginación.
Como herramienta fundamental del dibujo todos debemos conocer su clasificación tipos y manejo, una de sus principales virtudes es su fácil borrado para poder corregir, pero también para dar un acabado esfumado ósea sin bordes definidos esto de preferencia con lápices blandos y con un tono oscuro.
Primero debemos saber que la herramienta por excelencia para el dibujo es el lápiz esta herramienta tiene su clasificación que debemos conocer, se clasifican por su dureza con las letras H duro y B blando y por la oscuridad de la mina comenzando con el 1(muy claro) al 9 (muy oscuro) podemos encontrar un lápiz HB que es un punto neutro entre ambos y los lápices carboncillo negrito clasificados G (graso) y SG (sin grasa)
Trabajos con carboncillo producen tonos más intensos con mayor contraste, pero son inestables por lo que requieren mucho cuidado en su realización para no ensuciar las zonas claras y un proceso de fijación una vez terminados
MATERIALES
En el curso de arte deberíamos usar un lápiz 5B ya que es un tono intermedio de los grises
un borrador suave (De papa o limpia tipo)
regla de 30 cm
También debemos saber manejar la regla adecuadamente ya existen variedades como la escuadra, la regla T , el escalimetro y el transportador.
Hay que tener en cuenta que una regla de plástico tiene sus 2 bordes distintos de acuerdo al uso que se le va a dar, un lado es aplanado para que el lápiz se aproxime a la hoja y el otro proporciona una separación a manera de escalón para que el plumón este separado de la hoja y esta no se manche al mover la regla
En cuanto al papel Bond se debe saber que estos se distribuyen por peso, el más usado actualmente es el de 75 gramos pero podemos encontrar de 90 o 120 gramos mucho más gruesos y resistentes, al igual que las cartulinas en cuanto a sus formatos podemos encontrar tamaño carta oficio y A4 A3 cada uno con dimensiones estandarizadas
También es necesario que conozcan que el dibujo se puede dividir en 2 dibujo artístico y el dibujo técnico el primero busca transmitir belleza y el segundo información
El proceso del dibujo tiene 3 fases conocidas como:
Croquis
Apunte
Boceto
Pero para un mayor entendimiento vamos a llamar a las etapas de este proceso la por la acción a realizar, estas son:
ENCUADRE. - ubicar el objeto a dibujar dentro de la hoja que no quede muy grande o chico proceso similar al que utilizamos antes de tomar una fotografía.
DELINEADO. - consiste en dibujar los contornos de la forma que vamos a dibujar
VALORACIÓN. - llamado también sombreado y consiste en aplicar sombra a la figura para que tenga la representación del volumen
PINTANDO A MARÍA
El tema es “Las manifestaciones de la virgen María en el mundo” expresado en dibujo y pintura (podrán realizar sus dibujos sobre cualquier advocación de la virgen, como por ejemplo Virgen del Carmen, Guadalupe, María auxiliadora, Montserrat, Fátima, etc. )
CARACTERÍSTICAS DEL TRABAJO:
· el trabajo se presentará se presentarán en una hoja blanca de sketch o cartulina de 24 x 34cm.
· Sin marco ni inscripción literal
· Las técnicas y materiales de pintura son a libre elección del estudiante
· Los trabajos que se presenten serán inéditos (Dibujos sin el uso de técnicas de calcado o impresión)
· En la parte inferior del dibujo colocaran solo un apellido su grado y sección
La evaluación de los dibujos se realizará teniendo en Cuenta los siguientes criterios:
CRITERIOS
INDICADORES
PUNTAJE
Mensaje y Contenido
Responden el tema: Las manifestaciones de la virgen en el mundo
06
Composición
Referido a cómo se maneja el espacio gráfico, como se ubican las figuras en el dibujo y cómo se maneja los trazos de la obra atendiendo principalmente a su calidad y expresión.
10
Presentación
Limpieza, acabado y presentación de la obra
04
Total
20
Que su trabajo no tenga ninguna sospecha de haber tenido ayuda, de usar técnicas del calcado o impresión simplemente con el talento y la dedicación de cada alumno mostremos el cariño que le tenemos a la virgen de Montserrat o cualquiera de sus otras manifestaciones, rindamos este homenaje con una representación cuidada y sentida en estos tiempos de pandemia.
La Virgen con el Niño: el dúo divino que ha inspirado a los artistas por siglos
La Virgen con el Niño o Madonna—un título que generalmente denota una representación visual de la Virgen María y su hijo Jesús—es uno de motivos más famosos en la historia de la pintura. La representación artística de estas figuras, una antigua práctica devota originalmente derivada de las creencias bíblicas, se ha convertido en un tema central en el canon de la historia del arte.
Dada su longevidad, no es de extrañar que esta tradición haya evolucionado con el tiempo, dando como resultado una gran cantidad de obras que van desde íconos divinos hasta representaciones contemporáneas. A continuación, examinaremos el papel de este motivo a lo largo de la historia para comprender plenamente su importancia, tanto en el arte cristiano como fuera de él.
¿Quiénes son María y Jesús?
Interior de la Catedral de Notre Dame (Foto: Fotos de stock por little photographer/Shutterstock)
De acuerdo con la tradición cristiana, María—una mujer judía de Nazaret—fue elegida por Dios para dar a luz a su único hijo, Jesús. La Biblia pone énfasis en el hecho de que María era virgen, embarazada no de su prometido, José, sino por el Espíritu Santo; un fenómeno que, según el evangelio según San Lucas, sorprendió a la propia María.
“¿Cómo será esto?”, le preguntó a Gabriel, el arcángel mensajero enviado por Dios para darle la noticia. “No conozco varón”. El ángel respondió: “El Espíritu Santo vendrá sobre ti, y el poder del Altísimo te cubrirá con su sombra; por lo cual también el santo ser que va a nacer será llamado Hijo de Dios”.
Así, María aceptó dar a luz y criar a Jesús. Juntos, este par se encuentra entre las figuras más veneradas del cristianismo, por lo que su presencia en el arte tiene mucho sentido.
Representaciones generales de la Madonna en el arte
“La Virgen con el Niño (la Madonna del libro)” por Sandro Botticelli (Foto: dominio público vía Wikimedia Commons)
A lo largo de la historia del arte, la Madonna ha sido representada de muchas maneras. Aunque la Virgen casi siempre aparece con Jesús, hay veces en las que está sola, ya sea en oración, dando una bendición o haciendo un gesto profético. Estos son algunos de los otros formatos en los que aparece:
Cuando las obras incluyen a Jesús, la Virgen puede aparecer como una figura de cuerpo completo que sostiene al bebé, mientras que este alza la mano en bendición (a menudo hacia el espectador).
En los retablos, la Virgen y el Niño suelen estar rodeados de ángeles y santos, algo que se conoce como “Madonna en gloria”.
En otras piezas, particularmente las que fueron creadas en el siglo XIV, María aparece sentada en el piso o sobre un cojín. Más allá de estas representaciones, también se le puede ver sentada (no en el suelo) sosteniendo a Jesús de una manera que parece más maternal que formal.
Un estilo conocido como “Virgen en adoración” muestra a María arrodillada en devoción a Cristo. Este formato suele verse en retablos más pequeños que los espectadores podían tener para uso personal.
Finalmente, María también aparece haciendo lo mismo que muchas madres: en ocasiones, la Virgen amamanta a su hijo.
La Virgen con el Niño en la historia del arte
ANTIGUA ROMA
“Virgen con niño con Balaam el Profeta” en las Catacumbas de Priscila en Roma, finales del siglo II (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Como muchas otras tendencias en la historia del arte, la tradición de la Madonna (derivado del término italiano para nuestra señora) se remonta a la Antigua Roma.
La representación visual más antigua conocida de María y el niño Jesús se puede encontrar en las catacumbas de Priscila, una cantera utilizada para entierros cristianos desde finales del siglo II hasta el siglo IV. Esta catacumba es famosa por sus antiguos frescos en paredes y techos, incluyendo una colección inspirada en la Biblia. Además de relatos del Antiguo Testamento, incluyendo el Sacrificio de Isaac y el Juicio final, las pinturas en la capilla griega cuentan historias del Nuevo Testamento; entre ellas está, por supuesto, el nacimiento de Jesús.
Además, las catacumbas de Priscila probablemente albergan la representación más antigua conocida de un ángel en la historia del arte. Juntos, estos “primeros registros” lo han convertido en uno de los sitios más importantes del arte cristiano.
IMPERIO BIZANTINO
Ícono de la Virgen y el Niño entronizados con santos y ángeles en el Monasterio de Santa Catalina, siglo VI. (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
EUROPA MEDIEVAL
Duccio, “Madonna con el Niño”, ca. 1300 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
En la Edad Media, los artistas adoptaron la estética del ícono bizantino para crear su propio estilo de pintura. Algunos pintores italianos como Cimabue y Duccio crearon retratos al temple de María y Jesús basados en el modelo bizantino, especialmente planos planos, figuras sentadas y el uso de pan de oro, un medio cuya popularidad disminuyó a medida que el Renacimiento se acercaba.
PRIMEROS AÑOS DEL RENACIMIENTO ITALIANO
Filippo Lippi, “Madonna con el Niño y dos ángeles”, ca. 1460-1465 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
En el siglo XV, los pintores y dibujantes italianos comenzaron a experimentar con realismo en su trabajo. Este enfoque marcó el comienzo del Renacimiento temprano o quattrocento, una era ilustrada del arte que duró desde 1400 hasta 1490. Durante este tiempo, los artistas miraron hacia la antigüedad, lo que dio origen a un cuerpo de trabajo que evoca temas clásicos. Si bien muchas obras maestras de este periodo—incluyendo Primavera y El nacimiento de Venus de Botticelli—retuvieron los temas mitológicos preferidos por los artistas clásicos, algunos presentan representaciones naturalistas de María (que parecía adoptar poses más activas e involucradas) y Jesús (que comenzó a parecerse más a un bebé).
RENACIMIENTO NÓRDICO
Jan van Eyck, “La Virgen en una iglesia”, 1438 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Los ideales italianos se abrieron paso gradualmente por el continente, culminando en un Renacimiento nórdico. Este movimiento—que tuvo lugar en los Países Bajos, Bélgica, Alemania, Francia e Inglaterra—comparte la preferencia del Renacimiento italiano por la pintura realista. En sus impresiones de la Virgen y el Niño, artistas como Jan Van Eyck y Robert Campin adoptaron este nuevo enfoque, dando origen a obras que muestran un sentido avanzado de la perspectiva, avanzadas técnicas de pintura figurativa y un interés radical por los entornos terrenales.
ALTO RENACIMIENTO
Rafael, “Virgen del jilguero”, ca. 1505-1506 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Durante el Alto Renacimiento (1490 a 1527), Miguel Ángel, Leonardo da Vinci, Rafael y otros artistas italianos llevaron este renovado interés por el realismo a nuevas alturas. Dado que a los artistas ya no les interesaban los motivos mitológicos, cambiaron su enfoque a los retratos comisionados, los estudios anatómicos reales y las figuras bíblicas, lo que incluyó piezas de la Virgen con el Niño cada vez más afables y naturalistas.
IMPERIO MOGOL
“Hoja única de la Virgen y el Niño”, 1600-1625 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
La Virgen y el Niño no solo aparecieron en el arte occidental, sino que también sirvieron como musa en la pintura mogol. ¿Por qué aparecerían estas figuras cristianas clásicas en el arte indo-islámico? De acuerdo con el Museo Metropolitano de Arte, en el siglo XVI, “numerosos temas cristianos fueron copiados por artistas indios que trabajan a partir de las biblias ilustradas, grabados y pinturas que fueron llevados a la corte mogol por misioneros jesuitas y comerciantes europeos”. Además, las figuras mismas están presentes tanto en el Corán como en el mismo Islam; se cree que María es “sobre todo la mujer de la creación”, mientras que Jesús es visto como el penúltimo profeta y mensajero de Alá.
FRANCIA NEOCLÁSICA
William-Adolphe Bouguereau, “Virgen con el Niño”, 1899 (Foto: Wikimedia Commons, dominio público)
Esta iconografía siguió siendo popular durante todo el periodo neoclásico, un movimiento inspirado en el sentido del equilibrio y el enfoque del arte clásico en la figura humana. Mientras que pintores como William-Adolphe Bouguereau buscaron modernizar temas más antiguos—incluyendo a la Virgen con el Niño, a quienes imaginaba como figuras del siglo XIX en un entorno estilizado—sus contemporáneos elaboraron interpretaciones cada vez más vanguardistas.
ARTE MODERNO Y CONTEMPORÁNEO
Mary Cassatt, “Madre e hijo (el espejo ovalado)”, ca. 1899 (Foto: Wikimedia Commons, Dominio público)
A comienzos del siglo XIX, la impresionista Mary Cassatt, nacida en Estados Unidos pero con residencia en París, subvirtió sutilmente los criterios tradicionales de la Virgen con el Niño con una pintura titulada Madre e hijo (el espejo ovalado). A primera vista, esta encantadora pieza se parece a muchos otros retratos maternos de Cassatt. Sin embargo, lo que distingue a la pintura son algunas referencias particularmente discretas. “La mirada de adoración de la mujer y el dulce rostro del niño y postura contrapposto evocan las imágenes renacentistas italianas de la Virgen con el Niño”, explica el Museo Metropolitano de Arte, “una conexión reforzada por el espejo ovalado que enmarca la cabeza del niño como un halo”.
Allan D'Arcangelo, “Madonna y el Niño”, 1963 (Foto: Wally Gobetz, CC BY-NC-ND 2.0)
Siguiendo los pasos de Cassatt, muchos artistas modernos y contemporáneos han adoptado y adaptado el concepto de la Virgen y el Niño. En 1942, Marc Chagall creó La Virgen de la aldea, una representación onírica de María y Jesús flotando en un escenario fantasioso. En 1949, Salvador Dalí fracturó este motivo familiar con La Madonna de Port Lligat, y en 1963, Allan D'Arcangelo le dio un toque de Pop Art a este par con con su Madonna y el Niño, un retrato gráfico de Jackie Kennedy y su hija, Caroline.
Además de mostrar sus propias visiones creativas, estos artistas han revelado una verdad importante sobre la Virgen con el Niño: este antiguo ícono puede ser triunfalmente atemporal.
Este Blog ha sido creado única y exclusivamente para el uso de los estudiantes del Colegio Parroquial Nuestra Señora de Montserrat del Nivel Secundaria
EL PROYECTO ARTÍSTICO
Entrando a la última unidad del año, lo haremos practicando nuestra competencia crea proyectos desde distintos lenguajes artísticos, esta vez cada estudiante planteará y realizara una actividad artística en alguno de los lenguajes artísticos estudiados, en artes plásticas música danza o teatro recuerda que será algo pequeño ya que disponemos de 2 semanas para finalizarlo. los temas determinados para este proyecto serán la navidad o la obra del padre Juan Serpa
Para el desarrollo de esta actividad repasaremos el formato del proyecto y se propondrá algunas actividades alusivas a esta fecha, no se olviden de entregar sus trabajos en las fechas programadas para no tener inconvenientes a fin de año.
En forma general trabajaremos con el siguiente esquema:
1.- TITULO DEL PROYECTO
Debe ser llamativo, explicito pero no muy largo Algunos ejemplos podrían ser para una imagen religiosa “Pintando a María” “Imágenes del cielo” o más concretos como “Mural a la virgen”, “Dibujo religioso”
2.-DATOS INFORMATIVOS
Aquí deben poner tus datos personales nombre apellido grado y sección en caso de grupo el nombres de los integrantes del grupo su grado y sección
3.- FUNDAMENTACION
Aquí deben redactar en forma clara y precisa porque es útil o necesario llevar a cabo tu proyecto, a quien o quienes beneficiara y que apoyo requieren para hacerlo, es un texto argumentativo corrido no es un cuestionario aunque algunos autores proponen resolver estas preguntas, estas se resuelven directamente en el texto no individualmente sino de acuerdo a su pertinencia.
por ejemplo:
1.-Que siendo el aniversario de la virgen una fecha importante para los alumnos del colegio deseamos elaborar murales alusivos a esta fecha como decoración de las instalaciones del plantel.
2.- Que deseando explorar nuevas técnicas artísticas, mostrar nuestras habilidades para el dibujo, canto o danza, o sintiendo la necesidad de expresar nuestros sentimientos o postura en esta significativa fecha, elaboraremos un ……
4.- OBJETIVOS
En esta parte del proyecto se deben definir exactamente qué es lo van a lograr o elaborar al termino del proyecto, son de 2 tipos el objetivo principal y los secundarios, en todo caso no deben ser más de dos o tres y en ningún caso o por ningún motivo el objetivo debe ser económico por ejemplo:
Se elaborará un mural dedicado a la virgen de 4.00 por 1.20 mts.
Realizaremos una pintura en lienzo de 40 x 30 cm. a tempera
Se interpretará una canción del genero criollo en coro
Y como objetivo secundario podemos poner
demostraremos nuestra habilidad artística, el conocimiento de esta técnica, etc.se recomienda que los objetivos sean:
CLAROS: Formulados en un lenguaje comprensible y preciso, fáciles de identificar.
FACTIBLES: Posibles de alcanzar con los recursos disponibles, con la metodología adoptada y dentro de los plazos previstos.
PERTINENTES: Tienen una relación lógica con el tipo de problema que se pretende solucionar.
5.-PROCEDIMIENTOS
En el procedimiento debe ir un cronogramade las actividades a realizar, desde la presentación del proyecto hasta el término de el mismo y luego la evaluación de cumplimiento de objetivos, si bien estas fechas podrían cambiar un poco deben mantenerse los tiempos programados, si se planifica para una semana de trabajo no se puede demorar un mes ya que eso invalidaría el plan de trabajo
Al final debe tener la leyenda el tiempo total de ejecución del proyecto será de ........
6.-COSTOS Y MATERIALES
En esta parte se enumeran los materiales a emplear con cantidades y costos lo más exacto posible, ya que una variación importante de costos podría invalidar el proyecto, se debe tomar en cuenta los servicios que son pagos por algún proceso del proyecto que no se va a ver físicamente pero es indispensable para su culminación, como por ejemplo si vamos a comprar material la movilidad es un costo pero no aparece en el producto final.
Al final debe tener la leyenda el costo total de la obra será de .........
7.- EVALUACIÓN
La evaluación de un proyecto debe ser parte del proceso, se debe monitorear como se está desarrollando y plantear criterios de evaluación acordes al lenguaje artístico del proyecto
Por ejemplo no es lo mismo evaluar una pintura que una danza, se deberá evaluar con diferentes criterios, indicadores como creatividad, presentación o limpieza, cumplimiento del trabajo en equipo, se deben tener en cuenta.
Si se plantea un proyecto para una semana de trabajo y vamos 4 días y no se ha llegado a la mitad de lo planificado la evaluación de proceso nos debe indicar hacer modificaciones para poder recuperar ese tiempo o cancelar el proyecto.
Excelente
bueno
Regular
malo
Obs.
Participación de los alumnos
Nivel técnico alcanzado
Organización logística
Satisfacción del publico
.EL PROYECTO ARTISTICO
Esta semana vamos a elaborar un proyecto artístico de tema navideño, para ello vamos a investigar porque es importante esta fecha, que representa para los cristianos como se celebra habitualmente en nuestro entorno y como participamos nosotros en forma individual o familiar.
Luego de esta pequeña investigación debemos ubicar como podemos contribuir mediante un trabajo artístico a conservar o mejorar el verdadero espíritu navideño.
también debemos investigar diferentes materiales y técnicas para elaborar nuestro proyecto
Esta semana luego de revisar el material del blog elaboraran un proyecto artístico creativo, en una hoja bond o Word siguiendo el formato establecido para el proyecto seguirán todos los pasos para proponer un trabajo cuyo tema podrá ser la navidad o la obra del padre Juan Serpa, no se olviden responder las preguntas de retroalimentación. ¿Cuáles son las partes de un proyecto artístico? ¿Por qué escogiste trabajar este tema? recuerda presentar tu portafolio con todas las actividades del bimestre de acuerdo a las fechas programadas.
LA APRECIACION ARTISTICA
EL ARTE EN EL SIGLO XXI
Buenos días alumnos esta semana tocaremos un tema complicado dentro del mundo del arte definir que es arte y que no lo lo es, ya casi al termino de su formación secundaria tocaremos este punto que requiere conocimientos previos de historia del arte, haber desarrollado vivencialmente alguna manifestación artística y un criterio estético ya formado.
Recordemos que el arte es una necesidad humana que se manifestó desde que el hombre toma conciencia de si y que ha tenido una influencia gravitante en muchas partes de la historia de la humanidad, las obras de la prehistoria, los egipcios los griegos el renacimiento son muestras de ello.
luego continua su desarrollo depurando sus técnicas cambiando de sentido secuencialmente de lo antiguo a lo moderno para conseguir una síntesis de ambos en tiempos mas modernos, luego a comienzos del siglo xx viene una exploración de los limites del arte se experimenta con el color puro la forma la expresión la belleza lo onírico la abstracción campos que enriquecieron el arte pero que guardaban sus principios básicos como son:
La belleza o expresividad
La durabilidad o permanecía en el tiempo
El artista profesional
El arte como expresión social, basado en la realidad
En la sesión anterior pudimos observar la visión del artista del renacimiento, prototipo de los artistas en el futuro personas cultas dedicadas al trabajo duro, y con ideales superiores, lamentablemente ya en tiempos mas modernos esto va a ir cambiando hacia un egocentrismo basado en logros de artistas anteriores en los que se nubla su percepción de las cosas y se impone modas y se establece como regla la libertad sin normas, caos que será provechada por los merchandising del arte para elevar precios sin un sustento artístico. creando para este fin una organización cerrada de vendedores críticos y galeristas para imponer lo que será el arte en la sociedad y debido a la falta de cultura artística de las personas muchas veces callamos nuestra correcta opinión pensando que podríamos equivocarnos dando así involuntariamente la razón a este grupo que impone alguna obra o tipo de obra con fines netamente comerciales.
veamos el siguiente video y analicemos los argumentos si los consideramos correctos o no.
Esta semana veremos un tema de apreciación artística muy controversial ya que para una correcta apreciación de una obra debemos definir que es arte, luego de trabajar el material del blog y los videos se establecerá un foro de discusión con las opiniones de los alumnos de forma sincrónica, los que por alguna razón no pudieran expresar su opinión de esta manera, deberán redactar dicha opinión y colocarla en el portafolio virtual de arte para su posterior revisión,no se olviden responder las preguntas de retroalimentación. ¿Cuál es tu opinión personal del Hamparte? ¿conocías esta expresión del arte contemporáneo? presentar su portafolio de acuerdo a las fechas programadas.
EL PROYECTO ARTISTICO II
Esta semana luego de revisar algunas manifestaciones artísticas unidas a la tecnología como la fotografía y el cine los alumnos pasaran a presentar sus proyectos realizados de forma sincrónica para un ejercicio de exposición de sus trabajos y de apreciación artística de trabajos de sus compañeros, los alumnos que por algún motivo no puedan participar en la sesión, podrán mostrar su trabajo mediante 3 fotografías del proceso y una fotografía del acabado
ARTE EN EL SIGLO XXI
Que expresiones artísticas han surgido con el avance de la tecnología, cual es su proyección para un futuro cercano, desaparecerán algunas formas artísticas de expresión, cual seria su impacto en la sociedad y en el desarrollo humano, esos son algunos temas que debemos desarrollar este ultimo periodo del año y que esta inmerso en las competencias del área.
Vamos a iniciar con la fotografía y la cinematografía o llamado séptimo arte que es la expresión mas difundida y que ha desarrollado exponencialmente desde su creación.
Vamos a desarrollar este y los demás temas de forma colaborativa , socializando los resultados individuales para tener una visión global del tema.
HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
La historia de la fotografía es el recuento de las invenciones, hallazgos científicos y perfeccionamientos técnicos que permitieron al ser humano capturar por vez primera una imagen sobre una superficie fotosensible, empleando para ello la luz y ciertos elementos químicos que reaccionan con ella.
La historia de la fotografía abarca desde el siglo XIX al XX, pero tiene muchos antecedentes en épocas anteriores. Es una de las tecnologías más revolucionarias que el hombre ha desarrollado. Su impacto se ha hecho sentir en las ciencias, las artes (incluso creando una nueva) y en la documentación histórica. Además dio origen a tecnologías posteriores, como el cine, entre otras.
La palabra fotografía proviene de los vocablos griegos phos (“luz”) y graphos (“escrito” o “grabado”), de modo que se trata de una escritura con luz o una grabación hecha con luz.
La idea de capturar imágenes y preservarlas ha acompañado al ser humano desde épocas antiguas. Es el fundamento de la aparición de la pintura, la escultura y, más adelante, la fotografía. Hubo intentos antiguos por conseguir capturar una imagen de forma automática, sobre todo mediante el principio de la cámara oscura, que es el mismo de las cámaras fotográficas.
La cámara oscura es un espacio cerrado o recinto, totalmente oscuro, en el que penetra la luz por una abertura en uno de sus costados y proyecta una imagen invertida de lo que ocurre en el afuera. Este principio era conocido desde los tiempos de Aristóteles (alrededor de 300 años a. C.) o más adelante del estudioso árabe Alhazén (alrededor del 900 d. C.).
Las primeras publicaciones al respecto en Occidente aparecieron a partir del siglo XV, como parte de la Revolución Científica en que participaron filósofos como Leonardo DaVinci. Uno de sus alumnos, Cesare Cesarino fue el primero en publicar estos estudios en 1521.
A partir de ese trabajo, científicos como Giovanni Battista della Porta o Gerolamo Cardano experimentaron con la cámara oscura en 1558. En el siglo XVI, el alemán Johann Zahn del siglo XVI, desarrolló estos principios en un aparato portátil de madera, que estaba listo para convertirse en una cámara, de haber tenido cómo fijar las imágenes.
Recién en 1777 el sueco Carl Wilhelm Scheele publicó su tratado sobre las sales de plata y su reacción a la luz. Basados en estos descubrimientos, varios artistas como Giovanni “Canaletto” Canal combinaron las sales fotosensibles con la cámara oscura y lograr alguna suerte de pinturas con luz.
Las primeras imágenes fotográficas obtenidas en la historia son obra del francés Nicéphore Niepce, científico que logró resultados mediante la prolongada exposición a la luz de placas de peltre cubiertas en betún, dentro de una cámara oscura. La primera imagen obtenida así fue Vista desde una ventana en Le Gras, de 1826, que tomó ocho horas de exposición a plena luz del día.
En 1827 Niepce conoció a Louis Daguerre y firmaron un acuerdo de trabajo que le dejó a este último todo el conocimiento de las técnicas fotográficas de Niepce tras su muerte en 1833. Daguerre añadió al mecanismo una placa de plata pulida, sobre la cual se producían las impresiones, reduciendo así enormemente el tiempo de exposición.
Así nació el daguerrotipo, bautizado en su nombre. Esta nueva técnica permitía hacer retratos, y fue la forma más conocida de fotografía durante mucho tiempo. Sin embargo, al mismo tiempo y sin conocerse otros inventores como Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot estaban estudiando sus propios métodos para obtener impresiones semejantes.
EL COLODION
Este procedimiento sustituyó al daguerrotipo en la segunda mitad del siglo XIX, ya que permitía realizar copias de la impresión, era mucho más económica y reducía el tiempo de exposición a unos pocos segundos. El colodión húmedo fue inventado por Gustave Le Gray en 1850 y divulgado al año siguiente por Frederick Scott Archer.
Consistía en verter un barniz llamado colodión sobre una placa de vidrio muy limpia y pulida. El colodión era previamente sensibilizado en nitrato de plata, expuesto todo al mismo procedimiento de la cámara oscura. Una vez realizada la captura, se procedía al revelado en sulfato de hierro amoniacal.
Desde 1855 esta técnica se convirtió en la más empleada y los fotógrafos llevaban encima los implementos para fabricarla, lo cual era aparatoso e iba en contra de la fragilidad de las láminas de vidrio. Finalmente fueron desplazadas por las “placas secas” al gelatino-bromuro.
LAS PLACAS SECAS AL GELATINO BROMURO
Inventadas en 1871 por Richard Leach Maddox y perfeccionadas en 1878 por Charles E. Bennet, constituían un salto adelante respecto al colodión húmedo. Permitía obtener negativos en vidrio que se podían positivizar sobre papel para hacer copias de la foto.
Esta técnica empleaba también láminas de vidrio que eran recubiertas de una solución de bromuro de cadmio, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, y luego expuestas en una cámara oscura a la imagen que se deseaba capturar.
Con las “placas secas” se permitió emplear materiales secos y reducir el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, algo muy cercano a la posterior fotografía instantánea. Algunos de sus más importantes fabricantes en Francia fueron los hermanos Lumière, célebres inventores del cine, así como Guilleminot et Cie y Agfa.
LA FOTOGRAFIA A COLOR
Durante el siglo XIX se intentó obtener fotografías a color. La primera fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861, a través de la toma de tres fotografías consecutivas con un filtro rojo, azul y verde cada una, para luego superponerlas en una proyección y obtener los colores deseados.
Sin embargo, no hubo forma de fijar los colores a la foto y generalmente las fotografías del siglo XIX y principios del XX eran coloreadas a mano, usando acuarelas, óleos u otros pigmentos.
La primera placa fotográfica a color fue patentada en 1903 por los hermanos Lumière, y llevada en 1907 a los mercados comerciales bajo el nombre de Autochrome. Con soporte de vidrio, se basaban en un sistema de rejilla de puntos semejante al que luego tuvo la TV de color.
La película fotográfica a colores fue inventada recién en 1935, por la empresa Eastman Kodak y comercializada como Kodachrome (utilizada hasta 2009). En 1936 la versión de Agfa, llamada Agfacolor, llegó para quedarse.
LA PELICULA FOTOGRAFICA
El filme fotográfico fue inventado en 1884 por el estadounidense George Eastman, usando largas tiras de papel recubiertas con emulsión fotosensible.
En 1889 inventó la primera película flexible y transparente, en tiras de nitrato de celulosa, marcando un antes y un después en la concepción de la fotografía. A partir de entonces empezó a emplearse cada vez más el rollo fotográfico, y este fue además clave para el desarrollo de la cinematografía.
EL FORMATO DE 35 MM
En 1920 el inventor y fotógrafo alemán Oskar Barnack introdujo al mercado la cámara Leica, que empleaba un nuevo formato de película: el 35 milímetros, conocido también como formato Leica o formato Barnack.
Este formato revolucionó la industria fílmica y del cine. Consistió en una película pequeña, del formato 135 de 35 milímetros de ancho, con una relación de aspecto de 3:2 y un tamaño en la diagonal de unos 43mm. Pensado inicialmente para el cine, abarató enormemente los costos de fabricación de las cámaras y permitió su popularización, naciendo así los fotógrafos aficionados.
2.-Primera proyección cinematográfica (28 de diciembre de 1895)
3.-La percepción de movimiento aparente
4.-Personas importantes en la historia del cine
5.-Las tecnologías de la proyección
6.-Hollywood y el Star System
7.-Cine mudo
8.-El cine sonoro
9.-El cine en color
10.-Cine digital
11.-La creación del lenguaje cinematográfico
12.-Los géneros cinematográficos
13.-Distribución de las películas
14.-Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine
15.-Cine de autor contra cine de productor
16.-Porque se le llama 7 arte al cine
17.-Los blockbuster
18.-La música en las películas BSO
19.-Bollywood, el Hollywood de la India
20.-El cine e Internet
21.-Películas que marcaron hitos en la historia del cine
22.-Directores famosos del cine
Georges melies, Federico Fellini, Luchino Visconti, Truffaut, J., L. Godard
Luis Buñuel, Stanley Kubrick Akira Kurosawa Steven Spielberg y George Lucas
23.-Actores famosos del cine
24.-Premios del cine: Oscar festivales de Cannes, Berlín, Venecia
25.-Cine peruano
EL SEPTIMO ARTE
Durante esta semana desarrollaremos diferentes aspectos de este arte, su origen su evolución el desarrollo de su lenguaje, los géneros mas populares, grandes artistas y directores así como las películas que marcaron un hito en este arte.
Esta semana deberán presentar sus proyectos artísticos realizados de forma sincrónica para un ejercicio de exposición de sus trabajos y de apreciación artística de trabajos de sus compañeros, los alumnos que por algún motivo no puedan participar en la sesión, podrán mostrar su trabajo mediante 3 fotografías del proceso y una fotografía del acabado, la foto final tomada de preferencia acompañado del autor, como actividad final no habrá retroalimentación solo se le pide que cumplan con enviar su portafolio con todas las actividades del bimestre en las fechas establecidas para concluir el año lectivo de la mejor manera.
Se analizará la viabilidad histórica del concepto de arte en
las diferentes épocas históricas y su valor. Para llevar a cabo este propósito
partiremos de nociones sobre el concepto del arte que provienen del mundo de la
filosofía del arte y de la estética, así como de la Historia del Arte y la
Crítica de Arte, disciplinas que abordan este contenido. Junto a estos
contenidos se analizará el aspecto de la valoración de las obras de arte y sus
agentes: el artista, la sociedad, los críticos de arte, el mercado del arte,
etc.
NECESIDAD Y FUNCIONES
DE LA OBRA DE ARTE
Se tratará el porqué de la obra de arte y las funciones que
puede tener en la sociedad, su vinculación a la necesidad humana y el concepto
de belleza a lo largo de la historia.
LA OBRA DE ARTE COMO
DOCUMENTO HISTÓRICO
En este tema se abordará el papel fundamental que juega la
obra de arte como documento histórico, al reflejar las características de una
época en su modo de producción, estética y significado. En el análisis detallado
del tema se analizarán algunos condicionantes derivados de la propia personalidad
del artista y de la función que la sociedad ha podido dar a una misma obra de
arte a lo largo del tiempo.
LA OBRA DE ARTE Y LOS
ESTILOS ARTÍSTICOS
En este tema se abordará la noción de estilo para diferentes
corrientes de la Estética, Crítica de arte e Historia del Arte en sus
principales épocas, analizando además la importancia del concepto de estilo
como marco de periodización y clasificación de las obras de arte.
A lo largo de este tema se abordarán aspectos relevantes en
el análisis crítico de la obra de arte como la percepción, tomando como
referencia las aportaciones de la psicología de la Gestalt, la forma,
determinante para la interpretación de la obra de arte y el significado de la
obra de arte en los diferentes lenguajes artísticos.
LAS FUENTES
UTILIZADAS POR EL ARTISTA EN LA ELABORACIÓN DE UNA OBRA DE ARTE
A lo largo de este tema se llevará a cabo un acercamiento a
las distintas fuentes que nos permiten conocer e interpretar mejor la obra de
arte: fuentes documentales contemporáneas a la ejecución de una obra de arte
(contrato de la obra, condiciones de obra, diarios de los artistas, comentarios
en la prensa, etc.), iconográficas (dibujos, grabados, fotografías, etc.) y
literarias (obras en que se inspira la pieza de arte).
El proceso de elaboración de una obra de arte: factores
sociales, económicos, teóricos y estéticos. El artista y la obra de arte: la
historia de los artistas
El proceso de elaboración de una obra de arte: factores
sociales e ideológicos, económicos, técnicos y estéticos
Los contenidos de este tema abordarán cuáles son los
principales factores que intervienen en la elaboración de una obra de arte:
factores de índole social e ideológicos relacionados con cada época histórica
(el papel del comitente de la obra de arte, la respuesta del público, el
mercado del arte, la ideología política dominante en cada época); materiales
(en relación con los condicionantes de la obra); técnicos (procedimientos de
elaboración de una obra de arte) y cuestiones de índole estética.
EL ARTISTA Y LA OBRA
DE ARTE: LA HISTORIA DE LOS ARTISTAS
En este tema se analizará la situación del artista en la producción
de las obras de arte a lo largo de la historia, el proceso de formación y organización
del trabajo, y el valor social del artista, aproximándonos a su mundo personal
a través de las biografías de los artistas que comenzaron a tener una importancia
fundamental a partir del Renacimiento.
LA CLASIFICACIÓN DE
LAS ARTES Y LOS GÉNEROS ARTÍSTICOS
En este tema se abordará la clasificación de las artes en
relación con las diversas disciplinas artísticas y su consideración intelectual
y técnica en diferentes períodos artísticos. También se abordarán otras
clasificaciones de las artes en relación a valoraciones de la Estética y de la
Crítica de Arte.
LOS GÉNEROS
ARTÍSTICOS
La expresión artística en las diversas manifestaciones
artísticas: arte y técnica. Elementos y estructura de la obra de arte:
materiales, técnicas, procedimientos de trabajo en las principales disciplinas
artísticas. Imagen y símbolo de la obra de arte.
LA EXPRESIÓN
ARTÍSTICA: LOS MATERIALES Y TECNICAS
En este tema se analizarán conocimientos específicos
relativos a los diferentes materiales en las principales disciplinas
artísticas, aspectos que condicionan la visión e interpretación de la obra de
arte, también se analizará la importancia de la técnica en el desarrollo de las
obras de arte, analizando cuáles fueron los avances más destacados en las
principales disciplinas artísticas.
LOS ENFOQUES DE LA
HISTORIA DEL ARTE Y EL COMENTARIO DE LA OBRA DE ARTE
A lo largo de este tema se analizarán los diferentes enfoques
de acercamiento a la obra de arte desde diferentes disciplinas de la historia
del arte (enfoque psicológico, enfoque formalista, enfoque sociológico, enfoque
histórico, enfoque iconográfico, enfoque iconológico).
EL COMENTARIO DE UNA
OBRA DE ARTE: LAS FASES
La elaboración de una ficha de comentario de una obra de
arte Ver desde la pedagogía y didáctica, cuáles son los aspectos fundamentales
que ha de comprender la elaboración de una ficha de comentario de la obra de arte
para los niveles de Educación Secundaria y Bachillerato.
GUIÓN PARA COMENTAR UNA OBRA DE ARTE
El análisis de una obra de arte dentro del ámbito académico,
es un ejercicio práctico en el que a partir de la imagen de una obra se ha de
desarrollar un análisis y comentario escrito de la misma aplicando los
conocimientos teóricos aprendidos en asignaturas de historia del arte.
Es una tarea estructurada y compleja en la que se deben de
combinar ordenadamente los datos (nombres, fechas, características generales…),
el uso adecuado de la terminología específica de la materia, la capacidad de
análisis y de redacción.
No hay que confundir estos comentarios académicos con la
crítica de arte o las valoraciones personales e informales al hablar de arte.
Precisamente porque es una tarea estructurada es posible
seguir un guion fijo con los campos a cubrir en el comentario. No existe una
manera única de ordenar estos datos, por lo cual es conveniente prestar
atención a las preferencias de cada profesor y seguir sus indicaciones
particulares.
DESCRIPCIÓN DE LA
IMAGEN
Qué se ve en la imagen.
IDENTIFICACIÓN DE LA
OBRA
Qué tipo de obra es: arquitectónica, pictórica, escultórica…
Cuál es su nombre o título
Localización en el tiempo y en el espacio
ANÁLISIS TEMÁTICO DE
LA OBRA
Tema
Función
Simbología
ANÁLISIS FORMAL DE LA
OBRA
Análisis formal de la obra
Descripción de su forma
Descripción y función de sus elementos
Descripción y función de su organización
Descripción de sus materiales y sus cualidades
Descripción de la técnica o sistema empleado
Estado de conservación
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
DE LA OBRA
A qué estilo pertenece (país, escuela, periodo)
Qué rasgos característicos identifican el estilo
Quién es el autor
Qué rasgos característicos identifican al autor
Cómo se enmarca en la producción del autor
Precedentes en la historia del arte
Aportación de la obra y el artista al arte de su época
Influencias proyectadas en la historia del arte
CONTEXTUALIZACIÓN DE
LA OBRA
Circunstancias en las que fue realizada
Rasgos que relacionan la obra con su contexto histórico
(artístico, político, religioso, social, filosófico…)
Este guión es genérico e introduce los campos comunes en el
análisis de cualquier obra de arte independientemente de si es una obra
pictórica, escultórica o arquitectónica.
El arte muestra formas renovadas de ver el mundo. Creo que
cada obra de arte es una reflexión sobre la realidad que, en mayor o menor
medida, interpreta las necesidades de las personas. Desde tiempos remotos, se
ha visto en el arte la búsqueda de la verdad, de la belleza o del placer de los
sentidos. Pero, lo que siempre se ha percibido es que en el arte se manifiesta
la capacidad humana de conocer el mundo desde las huellas que éste deja en el
hombre, para bien o para mal.
Las obras de
arte han sido siempre recibidas con asombro: más que un asombro ante la
originalidad de la expresión o lo ingenioso del modo de representar, es el
asombro ante la capacidad del artista de hablar del mundo revelando sus
sentidos. Puede ser que esto pase porque en la creación artística permanecen
los rasgos primitivos, rituales de la intuición humana, que nutren cada obra
con la vitalidad de las emociones únicas de su creador.
En cada proceso
artístico se repite el acto de creación del mundo. Además, en el arte, el ser
humano, tanto el creador como el observador, se encuentra libre para expresar
su mundo interior, que a la vez captura e intensifica aquellos aspectos del
mundo exterior frente a los cuales más inquieto se siente uno, más ansioso de
encontrarles sentido, ante los cuales sus deseos o temores se encienden y su
pensamiento se despierta para reaccionar construyendo su propia versión de la
existencia. En cada obra hay esfuerzo personal, habilidad, inspiración, cultura
pero sobre todo existe el intento de compartir con los demás su propia visión y
encontrarse con todos nosotros en un diálogo de sensaciones, emociones e ideas.
El arte actual registra una gran cantidad de tendencias
expresivas y comunicativas, en las que convergen la experimentación, el
discurso cultural y el carácter lúdico de la manifestación artística. Entre los
factores que facilitan esta diversidad, podemos considerar la mayor libertad
individual, el incremento de las opciones y la multiplicidad de las
posibilidades de opción, el incremento de la tolerancia y la diversidad de
comportamientos.
RON MUERCK ESCULTURA HIPER REALISTA
https://www.youtube.com/watch?v=QiuIGydJkBc
“La participación del artista en las problemáticas de
urgencia de su contexto, propiciando rituales colectivos, colocando sus
recursos artísticos al servicio de acciones que buscan denunciar el estado de
cosas o simplemente aliviar el sufrimiento cotidiano; constituyen situaciones
en las cuales se vuelven borrosas las fronteras entre arte y vida, entre actor,
performer y ciudadano, entre ficción y realidad, explicitando la dimensión
ética de todo proceso o acto estético y la realización de prácticas artísticas
como forma de activismo social, más allá del teatro y más allá de la ficción”.
los siguientes videos son expresiones del arte en distintos lenguajes que debemos saber interpretar y comentar críticamente cumpliendo la competencia del área aprecia críticamente diferentes manifestaciones artísticas
En esta actividad correspondiente a la competencia Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales, vamos a aplicar nuestras capacidades del área mediante la percepcion de manifestaciones artístico-culturales, luego debemos contextualiza estas manifestaciones culturales y reflexionaremos sobre ellas creativa y críticamente, el trabajo será verbal y sincrónico.
LOS MUSEOS MAS IMPORTANTES DEL MUNDO
Museo de Arte Moderno de Nueva York
(EEUU)
Se trata del museo de arte moderno
más importante del mundo. Abreviado como MoMA, este edificio abrió sus puertas
el 7 de noviembre de 1929 en la ciudad de Nueva York. Algunas de sus obras más
reconocibles son ‘La noche estrellada’ de Van Gogh o ‘La persistencia de la
memoria’ de Salvador Dalí. El museo posee, además, grandes colecciones de otras
modalidades como diseño gráfico, industrial, fotografía, arquitectura o cine.
La lista registra que en 2016 el MoMA recibió más de 2,7 millones de visitas en
2016.
Museo de Orsay (Francia)
Ubicado desde 1986 en el antiguo
edificio de la estación ferroviaria de Orsay, en París. El Museo de Orsay
alberga la mayor colección de obras impresionistas del mundo, comprendidas
desde 1848 hasta 1914, aunque también se encuentran colecciones de pintura
realista y postimpresionista. Según el ranking, durante el año 2016, el museo
acogió a unos 3 millones de personas.
Museo del Prado (España)
Originalmente, abrió sus puertas en
1819 bajo el nombre de Real Museo de Pintura y Escultura. A lo largo de su
trayectoria, este museo se ha centrado en la conmemoración del patrimonio
cultural e histórico de España. El Bosco,
Tiziano, El Greco, Rubens, Velázquez o Goya
son algunos de los más ilustres pintores que, con sus obras, dan vida a las
paredes del museo. De hecho, sus colecciones están formadas esencialmente por
el coleccionismo de monarcas aficionados al arte. Según el ranking, el Museo
del Prado recibe una media de 3 millones de visitantes al año.
En 2019 el centro cumplirá 200 años.
Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía (España)
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, fundado en
1992 y que se ubica en el Antiguo Hospital General de Madrid. El museo se
centra en un recorrido por la historia del arte contemporáneo nacional y divide
su colección en tres etapas diferentes. Sin embargo, entre todas piezas
expuestas, El Guernica, de Pablo Picasso, es una de las obras por excelencia
del museo. Según el ranking, en 2016 recibió más de 3,6 millones de visitas.
Museo del Hermitage (Rusia)
Con más de 250 años de antigüedad, el
Museo del Hermitage de la ciudad de San Petersburgo es actualmente la
pinacoteca más completa del mundo, según los registros del Libro Guinnes de los Records . El edificio posee más de 3 millones de obras de
arte, comprendidas entre la edad de Piedra hasta nuestro actual siglo. A
mediados del siglo XIX la visita al museo estaba restringida a la élite y se
necesitada además, un permiso especial para poder entrar. Según el ranking, el
Museo del Hermitage abrió sus puertas en 2016 a más de 4,1 millonesde
personas.
Museos Vaticanos (Ciudad del Vaticano)
Se trata de un conjunto de galerías
ubicadas en Ciudad del Vaticano, compuesto por museos temáticos, monumentos y
grandes jardines, además, de la Biblioteca Vaticana. Al poseer una colección de
la Iglesia católica, no es de extrañar que sus obras tengan un gran componente
religioso. Algunas de sus colecciones son muy famosas, como es el caso del
grupo escultórico de "Laocoonte y sus hijos" o "La Venus feliz".
Este conjunto de edificios recibe una media de 6 millones de turistas al
año.
National Gallery (Reino Unido)
Londres vuelve a repetir su presencia
dentro de los primeros 5 clasificados. Esta vez, con el National
Gallery, un museo inaugurado en 1824 que recopila unas 2.300 obras (la
mayoría de origen europeo) comprendidas entre los años 1250 y 1900. El museo
tan solo expone obras pictóricas y deja a un lado la muestra de esculturas u
otros objetos para diferentes museos. Según el listado, en el último ejercicio
tuvo una media de más de 6,2 millones de turistas.
Museo Metropolitano de Arte (EEUU)
El siguiente en la lista es el Museo
Metropolitano de Arte de una de las ciudades más pobladas del mundo, Nueva york El edificio se encuentra en el
distrito de Manhattan desde su fundación hace más de 100 años, concretamente,
el 20 de febrero de 1872. Según el listado el museo recibe una media de más
de 7 millones de visitantes.
Museo del Louvre (Francia)
El museo francés lidera el ranking
con un número aproximado de visitantes que ronda los 7,5 millones de
personas anuales. El Louvre destaca por sus
colecciones que integran tanto bellas artes, arqueología y artes decorativas.
Dispone de unas 35.000 piezas de exposición, de un total de 445.000
aproximadamente. El edificio, fundado en 1973, tiene una superficie de más de 200.000
m².
Esta semana solo nos resta desearles que logren sus metas y objetivos en los distintos ámbitos del desarrollo humano, recordarles que son representantes de una institución católica de educación integral en la a pesar de todos los inconvenientes que pudieran presentarse se ha salido adelante con fe y trabajo pensando siempre en el bienestar del alumno.
Los docentes del área queremos felicitar a todos nuestros alumnos destacados que han logrado alcanzar y superar nuestras expectativas de logros de aprendizaje, a pesar de las circunstancias que no toco vivir los problemas tecnológicos encontrados y las nuevas modalidades empleadas en nuestro trabajo educativo sentimos que esta promoción esta preparada para alcanzar logros mayores, también hay otro grupo de alumnos que egresan de nuestras aulas con mucho potencial que tendrán que desarrollar cuando estén listos, cuando puedan superar los diferentes problemas que cada uno tiene ya sea de salud de relaciones familiares económicos de concentración de motivación etc.
Solo con la ayuda de Dios y la practica de valores podrán salir adelante al enfrentar los próximos desafíos, les ha tocado vivir una época de cambios de diversos problemas mundiales muchos de ellos generados por el propio ser humano, les tocara a ustedes corregir el rumbo de nuestro futuro, tengan fe y optimismo recuerden que un solo hombre puede modificar la historia, dependerá de lo hay en su corazón para que este cambio sea para el bien o no.
lamentablemente también hay algunos compañeros suyos que no lograron adaptarse a esta situación por diferentes motivos que no viene al caso analizar pero que cuentan con las facilidades para completar sus estudios en un periodo complementario muy corto para que puedan terminar sus estudios secundarios en la misma promoción que todos ustedes.
La única recomendación o pedido que hacemos desde el área es que nunca dejen de apreciar o practicar alguna o varias disciplinas artísticas, el arte como hemos visto durante el curso es parte de la naturaleza humana que nos integra lo físico con lo espiritual.
Ahora se les solicita completen la siguiente encuesta que nos servirá para mejorar el desarrollo del curso en el próximo año como toda obra humana es perfectible y para eso se debe tener distintos puntos de vista, como de los alumnos, los docentes las autoridades educativas, padres de familia a fin de ir cada vez desarrollando nuevas alternativas de enseñanza así como usando nuevas herramientas para el logro de las competencias asignadas al área.
Cuando se reactive los espectáculos artísticos y la situación mejore les recomendamos ingresar a la pagina del gran teatro nacional y participar en alguna de sus actividades gratuitas o para conocer la programación de eventos de calidad que no suele ser muy costosos
El ministerio de cultura tiene este canal de televisión dedicado a la difusión de eventos artísticos culturales como conciertos o charlas de areas como turismo arqueología arte o cursos de capacitación seria bueno que si tiene tiempo revisen cual es su programación
La fundación telefónica tiene un área dedicada a las artes en general además de su área de capacitaciones, generalmente trae exposiciones del extranjero para difundir el arte en el pais y cuenta con un local en la av. Arequipa de ingreso libre aunque por el momento solo desarrolla actividades virtuales que pueden visitar vía internet
El área de cultura de la municipalidad de Lima también realiza diversas actividades culturales empleando los recursos que tiene como parques teatros etc. solo hay que ver la programación
Como herramienta fundamental del dibujo todos debemos conocer su clasificación tipos y manejo, una de sus principales virtudes es su fácil borrado para poder corregir, pero también para dar un acabado esfumado ósea sin bordes definidos esto de preferencia con lápices blandos y con un tono oscuro.Primero debemos saber que la herramienta por excelencia para el dibujo es el lápiz esta herramienta tiene su clasificación que debemos conocer, se clasifican por su dureza con las letras H duro y B blando y por la oscuridad de la mina comenzando con el 1(muy claro) al 9 (muy oscuro) podemos encontrar un lápiz HB que es un punto neutro entre ambos y los lápices carboncillo negrito clasificados G (graso) y SG (sin grasa)
En el curso de arte deberíamos usar un lápiz 5B ya que es un tono intermedio de los grises
En cuanto al papel Bond se debe saber que estos se distribuyen por peso, el más usado actualmente es el de 75 gramos pero podemos encontrar de 90 o 120 gramos mucho más gruesos y resistentes, al igual que las cartulinas en cuanto a sus formatos podemos encontrar tamaño carta oficio y A4 A3 cada uno con dimensiones estandarizadas
El tema es “Las manifestaciones de la virgen María en el mundo” expresado en dibujo y pintura (podrán realizar sus dibujos sobre cualquier advocación de la virgen, como por ejemplo Virgen del Carmen, Guadalupe, María auxiliadora, Montserrat, Fátima, etc. )
· Las técnicas y materiales de pintura son a libre elección del estudiante
En el curso de arte deberíamos usar un lápiz 5B ya que es un tono intermedio de los grises
· Las técnicas y materiales de pintura son a libre elección del estudiante
