Este Blog ha sido creado única y exclusivamente para el uso de los estudiantes del Colegio Parroquial Nuestra Señora de Montserrat del Nivel Secundaria
1.- TITULO DEL PROYECTO
Debe ser llamativo explicito pero no muy largo Algunos ejemplos podrían ser para una imagen religiosa “Pintando a María” “Imágenes del cielo” o más concretos como “Mural a la virgen”, “Dibujo religioso”
2.-DATOS INFORMATIVOS
Aquí deben poner tus datos personales nombre apellido grado y sección en caso de grupo el nombres de los integrantes del grupo su grado y sección
3.- FUNDAMENTACION
Aquí deben redactar en forma clara y precisa porque es útil o necesario llevar a cabo tu proyecto, a quien o quienes beneficiara y que apoyo requieren para hacerlo.
algunos autores proponen resolver estas preguntas
¿QUÉ HACER?: Propuesta.
¿PARA QUÉ? : planteamiento del contexto y del problema.
¿A QUIÉNES?: personas implicadas como destinatarios.
¿CON QUIÉNES?: personas implicadas como responsables.
¿DÓNDE? : lugares y espacios en donde se realizan las actividades.
¿CUÁNDO? : cuadro temporal en el que se realizará.
¿CUÁNTO? : Etapas previstas y cantidad de actividades específicas a llevar a cabo.
¿CÓMO? : técnicas a usar.
¿CON QUÉ? : medios e instrumentos con los que contamos.
EVALUACIÓN: Monitoreo – Evaluación Parcial – Evaluación Final.
por ejemplo:
1.-Que siendo el aniversario de la virgen una fecha importante para los alumnos del colegio deseamos elaborar murales alusivos a esta fecha como decoración de las instalaciones del plantel
2.- Que deseando explorar nuevas técnicas artísticas, mostrar nuestras habilidades para el dibujo, canto o danza, o sintiendo la necesidad de expresar nuestros sentimientos o postura en esta significativa fecha, elaboraremos un ……
4.- OBJETIVOS
En esta parte del proyecto se deben definir exactamente qué es lo van a lograr o elaborar al termino del proyecto, son de 2 tipos el objetivo principal y los secundarios, en todo caso no deben ser más de dos o tres y en ningún caso o por ningún motivo el objetivo debe ser económico por ejemplo:
Se elaborará un mural dedicado a la virgen de 4.00 por 1.20 mts.
Realizaremos una pintura en lienzo de 40 x 30 cm. a tempera
Se interpretará una canción del genero criollo en coro
Y como objetivo secundario podemos poner
demostraremos nuestra habilidad artística, el conocimiento de esta técnica, etc.se recomienda que los objetivos sean:
CLAROS: Formulados en un lenguaje comprensible y preciso, fáciles de identificar.
FACTIBLES: Posibles de alcanzar con los recursos disponibles, con la metodología adoptada y dentro de los plazos previstos.
PERTINENTES: Tienen una relación lógica con el tipo de problema que se pretende solucionar.
5.-PROCEDIMIENTOS
En el procedimiento debe ir un cronograma de las actividades a realizar, desde la presentación del proyecto hasta el término de el mismo y luego la evaluación de cumplimiento de objetivos, si bien estas fechas podrían cambiar un poco deben mantenerse los tiempos programados, si se planifica para una semana de trabajo no se puede demorar un mes ya que eso invalidaría el plan de trabajo
6.-COSTOS Y MATERIALES
En esta parte se enumeran los materiales a emplear con cantidades y costos lo más exacto posible, ya que una variación importante de costos podría invalidar el proyecto, se debe tomar en cuenta los servicios que son pagos por algún proceso del proyecto que no se va a ver físicamente pero es indispensable para su culminación, como por ejemplo si vamos a comprar material la movilidad es un costo pero no aparece en el producto final
7.- EVALUACIÓN
La evaluación de un proyecto debe ser parte del proceso, se debe monitorear como se está desarrollando y plantear criterios de evaluación acordes al lenguaje artístico del proyecto, por ejemplo no es lo mismo evaluar una pintura que una danza, se deberá evaluar con diferentes criterios, indicadores como creatividad, presentación o limpieza, cumplimiento del trabajo en equipo se deben tener en cuenta, asi como el tiempo, si se plantea un proyecto para una semana de trabajo y vamos 4 días y no se ha llegado a la mitad eso debe ser parte de la evaluación.
EJEMPLOS DE PROYECTO
TITULO
Coro Montserratino 2019
DATOS INFORMATIVOS
Profesora Lourdes La Rosa Collantes
Profesor Elías Jesús M.
FUNDAMENTOS
Dentro del objetivo primordial de nuestra institución educativa como es brindar una educación integral y de calidad, y siendo las artes un área tan importante en la formación espiritual de los estudiantes, es que proponemos la continuación del coro escolar con los estudiantes de primero, segundo y tercer año, ésta actividad musical iniciada hace 3 años brindó numerosas presentaciones en las actividades religiosas y culturales del colegio.
Cabe destacar que la música coral es una actividad promovida por el Padre Serpa, muy vinculada a la historia de nuestro colegio desde su fundación, así como también ésta actividad va a desarrollar en los estudiantes diferentes capacidades como la responsabilidad, el trabajo en equipo, sensibilidad a las manifestaciones artísticas, la técnica vocal, dicción, memoria musical, así como la interpretación vocal.
Este proyecto permitirá tener un grupo de estudiantes que participen en las diferentes actividades internas del colegio, así como representarnos en eventos culturales a nivel local.
El repertorio que se abordará es la música popular peruana, latinoamericana, universal y de corte religioso, adaptado a la tesitura de los estudiantes.
Esperamos desarrollar con el proyecto coro Montserratino, las potencialidades expresivas de los estudiantes a través del canto, formar la disciplina tanto a nivel personal como de trabajo en equipo para alcanzar un nivel musical coral adecuado.
OBJETIVOS
Objetivo principal
Formar un grupo coral de nivel competitivo que represente a nuestra institución en actividades internas y externas de nivel local
Objetivos secundarios
1. Enriquecer su vivencia estética musical de los estudiantes a través de la interpretación coral.
2. Fortalecer su identidad cultural mediante el conocimiento de las diversas manifestaciones culturales de su entorno.
3. Crear un espacio donde se pueda realizar una educación mutua en valores a través de la participación de toda la comunidad en un proyecto coral escolar.
4. Fomentar la práctica de valores cristianos, a través de la reflexión y vivencia de los mismos, para crear actitudes que contribuyan a actuar con responsabilidad y lograr una mejor convivencia.
PROCEDIMIENTO
Este proyecto consta de 5 etapas, las mismas que encierran una serie de actividades que se llevarán a cabo en forma secuencial y coordinada, favoreciendo el logro de los objetivos trazados.
1 PRIMERA ETAPA:
- Aprobación del proyecto y determinación del horario, ubicación y equipamiento básico
- Selección de los alumnos de primero, segundo y tercero dentro de las clases de arte como integrantes de base del coro
- Solicitar la autorización y apoyo de los padres de familia
- Convocar a los alumnos con interés en la música de otros grados a integrarse al coro
2 SEGUNDA ETAPA:
· Implementar la logística necesaria para los ensayos
· Elaborar un programa de actividades y horario de ensayos
· Inicio de los ensayos con el desarrollo de los fundamentos teóricos y técnicas básicas de respiración e Impostación vocal.
3 TERCERA ETAPA:
· Elaborar una ficha de observación para monitorear el trabajo de los alumnos.
· Seleccionar canciones corales para el repertorio
4 CUARTA ETAPA:
· Coordinar un horario de ensayos semanales (2 veces por semana)
· Coordinar las presentaciones corales tanto a nivel interno como externo.
· Buscar auspicios para el uniforme del coro institucional
5 QUINTA ETAPA:
· Presentaciones en fechas cívicas y actividades institucionales.
RECURSOS Y MATERIALES
- Docente y estudiantes de primero y segundo
- Órgano electrónico
- Taller de arte, sillas, agua, folders para las partituras
- Partituras fotocopiadas.
- Equipo de sonido, micrófonos
EVALUACIÓN
La evaluación se contempla como un proceso permanente y continuo durante el desarrollo del proyecto, con la utilización de instrumentos que evaluarán los siguientes aspectos:
· Participación activa de los alumnos (lista de cotejo)
· Niveles de logro (análisis de las cualidades técnicas e interpretativas del coro)
· El producto final será el concierto coral (Videos de presentaciones)
· Organización logística en el desarrollo del proyecto. (auditorio, folders, órgano)
· Satisfacción del publico (encuesta)
| Excelente | bueno | Regular | malo | Obs. |
Participación de los alumnos |
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Nivel técnico alcanzado por el coro |
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Organización logística del coro |
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Satisfacción del publico |
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ORDEN Y CONTENIDOS BÁSICOS DE UN PROYECTO ARTISTICO
El esquema que figura a continuación puede ayudarnos para organizar la presentación del proyecto para la convocatoria de la municipalidad. También podríamos utilizarlo para solicitar galerías u otros espacios de exposiciones o para convocatorias de concursos y solicitudes para becas con las adaptaciones pertinentes propias de cada caso.
1. TITULO Y SUBTITULO
Título: Nombre del proyecto. Debe ser conciso y expresar de la manera más precisa posible qué es lo que deseamos o es preciso hacer y debe ser válido durante todo el ciclo de vida del proyecto.
Subtítulo: Título secundario descriptivo del proyecto el cual no debería superar las diez palabras.
Nombre de la Asociación o del artista.
Nombre del curador de la muestra.
Nombre de la convocatoria.
Sala de exposición, nombre y dirección.
Fecha de exposición.
Datos de la inauguración y horarios.
Exponsores, apoyos y patrocinios (logotipos).
2. PRESENTACIÓN
Contextualización del proyecto, máximo 1 carilla.
3. FUNDAMENTACIÓN TEÓRICA DEL PROYECTO
En este texto expondremos sintéticamente los conceptos en los que se basa tu obra, desde qué ángulo y con qué objetivo la realizarás
4. DESCRIPCIÓN DEL PROYECTO
Aquí debemos describir, desarrollar la esencia de tu proyecto con la siguiente estructura:
- Contextualización: base conceptual, ángulo de análisis y objetivos.
- Descripción del proceso creativo y elección de técnicas empleadas.
- Obra (imágenes a modo de esquema representativo.
- Cómo se relaciona con el público (iluminación, textos, audios, tránsitos).
- Cómo se relaciona con el espacio (planimetrías, maquetas, descripciones puntuales).
5. FICHA TÉCNICA DEL PROYECTO
1. Categoría. Ej.: Instalación.
2. Técnica. Ej.: ensamblaje de martillos de madera y fotografías + audios incidentales. Medidas variables.
3. Excepciones. Ej.: de martes a sábado, de 18.00 a 18.30 h se proyectará en la pared izquierda de la primera sala el vídeo S/T de 10'20'' en loop.
6. PLAN DE REALIZACIÓN
- Requerimientos técnicos (solicitud de proyectores, monitores, luces especiales, etc.)
- Plan de montaje de la obra (cronograma, tiempo estimado de trabajo en sala).
- Plan de desmontaje de la muestra (ídem anterior).
7. PRESUPUESTO
Si se trata de una convocatoria que va a financiar parcial o totalmente el proyecto, se debe presentar un informe exhaustivo que detalle costos de recursos humanos, traslados, gráficos, impresos, cartelería, materiales, etc., y precios de todo (parciales y totales). Al margen de los requisitos de cada convocatoria, siempre es bueno presupuestar el proyecto, ya sea para saber cuánto apoyo o cuánta inversión necesitaremos para realizarlo.
8. BUSQUEDA DE APOYO ECONÓMICO
Dedicar una sección a plantear variantes de apoyos económicos parciales y totales, y una propuesta clara de qué ofrecemos a cambio será decisivo para solicitar una patrocinación.
9. PLAN DE CARTELERÍA EXTERNA Y EXTERNA
La exposición debe estar claramente anunciada desde el exterior con una o más banderolas. En el interior, debemos tener en cuenta que los textos que reciben al público deben tener un tamaño y una presencia adecuados (vinilo de corte adhesivo) y las obras deben exhibir una ficha técnica claramente visible (cartelas).
10. PLAN DE PROMOCIÓN
Los planes de publicidad y promociones siempre van a depender del dinero que se disponga para ello. En cualquier caso es conveniente distribuir los recursos disponibles entre estas categorías:
- Medios de comunicación (prensa, radio, tv, vía pública, etc.).
- Web (publicidad en portales afines, eventos Facebook, campañas Twitter, etc.).
- Materiales informativos (invitaciones, catálogos, carteles, flyers impresos y digitales, etc.).
11. CURRICULUM BREVE
Este currículo debe tener (como máximo) 5 líneas, para que en una lectura rápida, jurados e interesados en general, conozcan tu trayectoria artística. En él deben constar algunos datos elementales como la nacionalidad y el año de nacimiento del artista, junto a los datos más relevantes sobre: Estudios cursados / Principales muestras / Premios y distinciones
12. CURRICULUM EXTENSO
Aquí podrás extenderte más porque este CV está destinado a aquellos que tengan interés en profundizar y obtener más datos sobre ti. Acceder primero a los datos más recientes, (cronológicamente inversa) es más recomendable.
13. DOCUMENTACIÓN ANEXA
En este apartado irá toda la documentación que se estime importante y que complemente algo de lo que se describe en el proyecto (planos, textos, notas de prensa, detalles, etc.).
EL PROYECTO ARTISTICO
EL PROYECTO ARTISTICO II
Buenos días estimados alumnos en esta última actividad del 3 bimestre vamos a realizar un ejercicio de apreciación artística, que como ya saben corresponde a una de las competencias del curso en la que no basta ver la obra sino también analizarla, comprenderla técnicamente y tratar de interpretar su mensaje en el contexto en que fue creada.
DESEMPEÑOS DE 5 AÑO
Cuando el estudiante aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales y logra el nivel esperado del ciclo VII, realiza desempeños como los siguientes:
Describe los efectos que tienen los elementos, principios y códigos asociados a cada lenguaje artístico sobre la audiencia. Ejemplo: Los estudiantes observan una serie de afiches sobre el bullying y analizan cómo se usan los principios de contraste (colores y textura) reconociendo las peculiaridades del mensaje.
Obtiene y selecciona información sobre cómo los cambios sociales y tecnológicos afectan la producción, la difusión y el consumo de manifestaciones artístico-culturales a lo largo de la historia.
Opina sobre la manera en que estas reflejan los contextos en los que fueron creadas. Ejemplo: El estudiantes explica cómo y por qué los retablos en el siglo XVII representaban escenas católicas, mientras que, en la actualidad, los artistas creadores de retablos representan testimonios y narrativas relacionados con temas sociales actuales.
Emite un juicio de valor utilizando argumentos sobre la efectividad de una manifestación artístico-cultural, de acuerdo con la influencia o impacto que puede tener sobre el público.
Explica las intenciones del artista basándose en los elementos, los principios y el contexto en que fue creada su obra.
LOGRO DESTACADO
Aprecia de manera crítica manifestaciones artístico-culturales al interpretar los códigos, principios y elementos de los lenguajes del arte, al participar vivencial y virtualmente de experiencias que amplíen sus parámetros valorativos y lo vinculen a referentes culturales de su comunidad y de otros contextos.
Investiga las interrelaciones entre las manifestaciones artístico-culturales y otros campos del conocimiento.
Genera hipótesis sobre las repercusiones y legado de la obra. Evalúa la pertinencia e interpreta las intenciones y significados de manifestaciones artístico-culturales y reconoce el impacto que un artista o un grupo de artistas puede tener sobre las creencias, valores y actitudes de un grupo de personas o una sociedad.
ESCULTURA PREHISTÓRICA
La escultura comienza en la Edad de Piedra. Exactamente no se sabe. Las primeras esculturas de la prehistoria son las dos efigies de piedra primitivas conocidas como La Venus de Berejat Ram y La Venus de Tan-Tan. La Venus de Berejat Ram (que data de 230,000 a.C aprox.) es una estatuilla basáltica hecha durante el Período de Acheulian, que se descubrió en los Altos del Golán. La Venus de Tan-Tan (200,000 a.C aprox.) es una estatuilla de cuarcita del mismo período.Si estos objetos son formas pre-escultóricas, la primera escultura prehistórica propiamente dicha surgió alrededor del año 35,000 a.C en forma de tallas de animales, pájaros y figuras aristotrópicas, realizadas durante el período Perigordiense inferior / Auriñaciense y descubiertas en las cuevas de Vogelherd, Hohle Fels , y Hohlenstein-Stadel, en el Jura de Suabia, Alemania. La escultura figurativa más antigua es la talla de marfil conocida como el Hombre León de Hohlenstein-Stadel (38,000 a.C).
El arte neolítico se destaca sobre todo por su cerámica, pero también contó con esculturas y estatuillas de bronce, en particular de la Civilización del Valle del Indo, al Norte de Cáucaso y el arte precolombino en las Américas. La forma más espectacular de arte neolítico fue la arquitectura de la pirámide egipcia, cuyas cámaras funerarias llevaron a una mayor demanda de varios tipos de relieves, así como estatuas y estatuillas portátiles. De hecho, el advenimiento de la Edad de Bronce (en Europa: 3000-1200 a.C), así como la aparición de ciudades y edificios públicos, y el desarrollo de herramientas más sofisticadas, desencadenaron un aumento general en la demanda de todos los tipos de arte, incluida la escultura. Fue durante esta época que el arte comenzó a asumir un papel importante al reflejar las aspiraciones de poderosos gobernantes y las deidades que adoraban. En resumen, las comunidades prósperas y ambiciosas eran buenas para la escultura.
Tras el florecimiento de la arquitectura y otras artes en Egipto, el Levante también fue testigo del surgimiento de la cultura minoica en la isla de Creta, que se destacó por su escultura y orfebrería.
Debido al estancamiento cultural de la “Edad Oscura” griega (1100-900 a.C) y el predominio de la cerámica durante el Período geométrico (900-700 a.C), la escultura griega no apareció realmente hasta el Período Daedalic u Oriental alrededor de 650 a.C. A partir de entonces se desarrolló según la cronología tradicional del arte griego durante la antigüedad clásica, de la siguiente manera: Período arcaico (650-500 a.C); Período clásico (500-323 a.C); y Período helenístico (323-100 a.C).
Durante este período (caracterizado por la difusión de la cultura griega en todo el mundo civilizado), el realismo clásico fue reemplazado por un mayor heroísmo y expresionismo. Las obras famosas de la escultura griega helenística incluyen: Gálata moribundo por Epigonus; la Victoria alada de Samotracia; Laocoonte y Sus Hijos por Hagesandrus, Polydorus y Athenodorus (42-20 a.C), y la Venus de Milo.
Hasta alrededor del año 27 a. C., a pesar de la influencia de los primeros escultores etruscos, conocidos por su “alegría de vivir”, la escultura romana no era unidimensional ni realista. a partir de entonces se volvió severamente heroico y bastante mediocre. Fue diseñado sobre todo para expresar la majestad y el poder del dominio romano, por lo tanto, aparte de una serie de magníficos relieves históricos (por ejemplo, el bajorrelieve en espiral de la columna de Trajano) y monumentos raros, escultores romanos se emplearon principalmente en la producción de bustos de retratos de los emperadores y otros dignatarios.
El renacimiento de la escultura medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los francos, que fue coronado emperador del Sacro Imperio en 800. El imperio carolingio se disolvió rápidamente, pero el mecenazgo de las artes de Carlomagno fue un primer paso crucial en la revitalización de la cultura europea, porque muchas de las iglesias románicas y góticas se construyeron sobre los cimientos de la arquitectura carolingia. Los logros arquitectónicos de Carlomagno fueron continuados por los emperadores del Sacro Imperio Otón I, II y III, en un estilo conocido como otoniano. Así que el arte de la escultura estaba de vuelta, aunque en una escala modesta.
Las fachadas y portales de las catedrales generalmente estaban llenos de relieves escultóricos que representaban escenas bíblicas, así como hileras de esculturas en las que se representaban profetas, apóstoles, antiguos reyes de Judea y otras figuras del evangelio. Los interiores presentaban estatuas de columnas y más relieves, todo organizado según un intrincado plan de iconografía evangélica diseñado para educar e inspirar a los adoradores analfabetos.Venus de willendorf
La Piedad de Miguel Angel
El discobolo de Miron
El David de Miguel Angel
La estatua de la Libertad
El Beso de Rodin
El Pensador de Rodin
Figura reclinada Henry Moore
La Familia Henry Moore
Victoria de Samotracia
Grupo del Laocoonte
Cristo del Corcovado
Venus de Milo
Monte Rushmoore
Esfinge de Giza
Escultura futurista de Boccioni
Museo Alexander Calder
Moai de la Isla de Pascua
FICHA PARA EL ANÁLISIS DE UNA OBRA ESCULTÓRICA O UN RELIEVE
Título de la obra:
Autor:
Año de realización:
Material:
Emplazamiento:
Técnica
O- Talla O- Modelado O- Vaciado O- Acumulación
O- Esculpido O- Fundición O- Soldadura O- Otras
Elementos expresivos de la obra:
1. Tipos de volumen:
O- Relieve O- De bulto redondo (exenta) O- Otras
2. Características del volumen:
O- Abierto O- Cerrado O- Otros
3. Tipo de representación:
O- Figurativa O- Abstracta O- Naturalista O- Geométrica O- Orgánica
4. Tipo de textura:
O- Rugosa O- Lisa O- Pulida O- Áspera O- Brillante O- Opaca
5. Color:
O- Propio de los materiales O- Pintado
6. ¿Da sensación de movimiento? ¿Por qué?
7. ¿Cómo le influye la luz? Razónalo.
8. ¿Consideras que está ubicada en un lugar correcto, o la colocarías en otro espacio?
9. ¿Se puede contemplar frontalmente o desde distintos puntos de vista?
10. ¿Por qué has escogido esta obra?cual seria tu interpretación
11. ¿Que conoces del contexto histórico cuando se realizo?
12.-Comentario
MATERIALES Y TÉCNICAS
ESCULTÓRICAS
Las técnicas escultóricas pueden dividirse en tres grupos:
aditivas, sustractivas y de acumulación.
TÉCNICAS ADITIVAS
Son aquellas en las que el material se añade poco a poco
hasta conseguir la forma. Lógicamente también se quita material sobrante, pero
la característica principal es el añadido. Además, en este tipo de técnicas el
material es blando mientras se trabaja, endureciéndose por distintos
procedimientos.
1.Modelado
Consiste en dar forma a un material plástico, como el barro,
la plastilina o la cera.
El barro es la mezcla de arcilla (un tipo de tierra) con
agua. Se coloca sobre una estructura que puede ser muy sencilla (una simple
barra vertical) o más compleja, dependiendo de la figura que se pretenda
realizar.
La cera se usa cada vez menos en el modelado. (Hay que tener
en cuenta que las famosas figuras de cera de los museos no están modeladas sino
moldeadas). La cera virgen está mezclada con resinas, se modela con las manos y
palillos que deben estar templados. Una vez realizada la figura se deja enfriar
y así consigue su dureza.
La plastilina es esa sustancia plástica de diversos colores,
empleada sobre todo por los niños porque es reciclable. No se endurece, por lo
que artísticamente no es un material definitivo.
2.Moldeado
El moldeado consiste en la fabricación y uso de moldes. Para
hacer un molde necesitamos un modelo. Este modelo puede ser blando (de barro,
cera o plastilina) o duro.
Molde perdido Usado sobre todo con modelos blandos. Una vez
terminada la figura en barro, se colocan unos separadores que dividen la obra
en piezas que podrán ser separadas. Colocados estos separadores, se aplica yeso
o escayola. Una vez seca se separan, obteniéndose el molde.
Si la figura es muy compleja, se realizarán muchas piezas. Una
vez obtenidos los moldes, estos se agrupan y se rellenan del material
definitivo que se quiera: escayola, a veces barro, y hoy en día sobre todo poliéster
con fibra de vidrio. Una vez obtenidas todas las piezas se ensamblan y así
conseguimos la obra.
Para sacar la pieza en material definitivo, hay que romper
el molde, por eso se llama molde perdido.
Molde “de repetición”. Antiguamente, por este mismo
procedimiento de moldeado, se realizaban otros moldes con los que se obtenían
más copias, y además se podían hacer moldes con modelos duros. Hoy en día estos
moldes se hacen con silicona. Sobre el modelo se aplica la silicona, que tiene
la consistencia de la plastilina. Cuando se seca se corta y, como es elástica,
puede sacarse la figura. Colocada dentro de una caja rígida
para que no se deforme, se introduce en su interior el material deseado.
Obtenida la copia, se limpia y puede volver a usarse.
Por tanto hay que distinguir entre modelado (dar forma con
las manos y herramientas a una pasta) y moldeado (hacer y usar moldes).
3.Fundido.
Se llama así a la técnica en la que, dentro de moldes, se vierte metal fundido. El metal más usual es el bronce, aleación de estaño y cinc.
El método más utilizado para la fundición artística del bronce es el de la "cera perdida" que sigue los pasos siguientes:
1. Modelado original en barro.
2. Ejecución del molde principal, generalmente en escayola.
Una vez fraguado, se retira modelo original.
3. El molde "negativo" se llena con cera para
producir un "positivo" de este material.
4. Colocación de aireadores y canales de colado.
5. Se recubre la cera con una mezcla de arcilla. Una vez seca,
se lleva a horno, donde la cera se funde y se "pierde".
6. Por el coladero se vierte el bronce fundido. Si la figura
es muy grande normalmente este proceso se hace una vez enterrado el molde.
7. Se extrae la pieza una vez enfriada. Se cortan las varillas
de los canales y se le aplica pátina con ácido para que parezca antiguo.
TÉCNICAS SUSTRACTIVAS
Son aquellas en las que se quita materia de un bloque
previo. Normalmente reciben el nombre de talla, y se diferencian por el
material utilizado.
1.Talla en piedra
Las piedras más comunes en la escultura son:
• Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de
trabajar; se emplea en labores minuciosas.
o Mármol: piedra caliza que por ser un material bastante perdurable
fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el
Renacimiento.
• Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera,
con humedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad
de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha
utilizado mucho en escultura de capiteles románicos.
• Alabastro: es un mineral de yeso de color amarillento,
parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de
trabajar. Ligeramente translúcido.
• Granito, diorita y otras piedras duras, muy usado en el
antiguo Egipto, Las herramientas utilizadas son los cinceles de distintas
formas y grosores. Primero se realizan, como siempre, bocetos dibujados. Tras
ellos se hacen otros en barro o escayola para ver en tres dimensiones la obra
que pretendemos. Con este modelo se realizan tres plantillas: alzado, planta y perfil.
Colocadas estas plantillas sobre el bloque, se desbasta éste
con cinceles grandes. Los detalles se van consiguiendo con cinceles más
pequeños, si hay huecos profundos se usa un taladro especial llamado trépano. Al
final con distintas herramientas se consiguen texturas diferentes, hasta el
pulido que se realiza con lija y piedra pómez.
2. Talla en madera
La talla en madera es muy importante en España, sobre todo
en Sevilla, donde aún se continúa con la labor de la imaginería tal como se
hacía en el siglo XVII. Tras obtener el dibujo y un modelo en barro cocido o
por moldes (ver más arriba), se pasa éste a la madera. Antes hay que ensamblar
los “costeros” (son como vigas de madera de cinco a quince centímetros de
grueso y de 15 a 30 de ancho). Estos costeros deben tener las vetas paralelas
de uno a otro. Para pasar a madera un modelo se usan compases, reglas y una
herramienta llamada sacador de puntos.
Tipos de imágenes:
De vestir: tienen por cuerpo un maniquí sin muchos detalles.
De candelero: por cuerpo tienen una estructura de madera
llamada candelero que sujeta la cabeza y las manos, únicas zonas terminadas.
De talla completa: hasta las vestimentas están talladas en
la madera.
De retablo: no están terminadas por detrás para colocarlas
en un retablo.
De bulto redondo: todas las que pueden ser vistas por todos
sitios.
Relieve: cuando las figuras salen de un tablero que les
sirve de base. Si no sobresalen nada (una moneda) son bajorrelieves, si
sobresalen media figura medio relieves y si sobresalen casi todo altorrelieve.
TÉCNICAS POR ACUMULACIÓN
Consisten en unir diversos elementos para crear la obra
final. Son obras normalmente contemporáneas:
OTRAS TÉCNICAS
Otras técnicas difíciles de englobar en los apartados anteriores
son las de láminas de metal, que se abultan, doblan, cortan… para conseguir la
obra. Está en este apartado la escultura en hierro y la orfebrería.
También se puede hablar de los montajes, construcciones efímeras que duran mientras permanece la exposición.
Esto lo van a realizar a través de una película y no un documental ya que en esta se desarrolla un drama que a mi parecer lo hace más interesante, y no es una simple exposición de trabajos, luego de ver la película deberán identificar lo siguiente:
1.- Cuales son los personajes principales, nombres cargos una descripción de su personalidad
2.- cuales son las características políticas económicas tecnológicas de la época
3.- Enumerar las obras artísticas que podemos ver en la película
4.- Hacer una descripción de la o las técnicas artísticas empleadas
5.- Escribir algunas frases o pensamientos acerca del arte que se manifiestan durante la película
https://gloria.tv/post/FRmndhvLh4Xa3HXCbQpeFWAUy
Link para ver la película completa en español
The Agony and the Ecstasy (La agonía y el éxtasis en Latinoamérica es una película estadounidense de 1965, dirigida por Carol Reed y basada en la novela biográfica homónima escrita por Irving Stone, trata sobre los conflictos entre Miguel Ángel (Charlton Heston) y el papa Julio II (Rex Harrison) sobre la pintura de la bóveda de la Capilla Sixtina. El filme contó con una música escrita por los compositores Alex North y Jerry Goldsmith.
