UNIDAD N 7 ARTE Y CULTURA QUINTO AÑO
Este Blog ha sido creado única y exclusivamente para el uso de los estudiantes del Colegio Parroquial Nuestra Señora de Montserrat del Nivel Secundaria
ORIGEN DEL TEATRO
Al comienzo de la historia los seres humanos vivían solo con la naturaleza que los rodeaba, no existían las ciudades, ni los puentes, ni el dinero; ni siquiera las casas se construían como ahora. Y mucho menos existía la idea del teatro tal como muchos lo conocemos hoy día. Sin embargo, ya desde el inicio de la historia de la humanidad apareció una necesidad muy fuerte en los seres humanos: la de representar. Los primeros hombres y mujeres empezaron a imitar algunos fenómenos de la naturaleza, como la lluvia, el rayo, el día, la noche, o cualquier otro que conocían, pero no sabían explicar. Imitaban también acciones que ejecutaban ellos o los miembros de su comunidad, como cazar animales, dar a luz, etcétera. Dichas representaciones estaban ligadas a algunas creencias religiosas. Así, si representaban el acto de la caza, pensaban que esta sería un éxito; si homenajeaban a sus dioses, quienes muchas veces eran personajes de la naturaleza, estos se lo agradecerían posteriormente. Las representaciones se realizaban siempre de un modo similar y eran conocidas por todos los miembros de la comunidad. A estas ceremonias se les llamó rituales.
LA HISTORIA .- se requiere un texto que interpretar un argumento o drama que exprese algo al publico
EL ACTOR .-quien represente o interprete los personajes o la historia
EL PUBLICO.- el teatro tiene como objetivo comunicarse con el publico directamente, sin esos 3 elementos no existiría este arte.
TEATRO GRIEGO
Los griegos de la ciudad de Atenas celebraban rituales en honor a Dionisio (el dios que simbolizaba la fecundidad y la vida). A esta deidad se le atribuía la introducción de la vid (uva) y por eso se le consideraba también dios del vino. Sus fiestas eran excesivas y apasionadas. En ellas, unos 50 hombres dirigidos por un jefe constituían un coro que, mediante cantos y danzas, alababan a este dios y, a menudo, contaban una historia antigua o un mito. A esta celebración se le nombró ditirambo. Tiempo después, el coro se dividió en semicoros, cada uno de los cuales respondía al otro y era guiado por un líder llamado corifeo o jefe, de modo que estos corifeos comenzaron a dialogar entre sí. Un día a tales cantos alguien respondió con palabras de Dionisio y fue entonces cuando se introdujo la representación del “propio dios”. Más adelante se invocó a otros dioses o héroes griegos, surgiendo de esta manera los personajes. Habiendo historia, diálogos y personajes estamos muy cerca de lo que es el teatro que conocemos actualmente. Posteriormente, aparecieron distintas formas teatrales, tres de las cuales marcaron las pautas de lo que sería el teatro: la tragedia, el drama satírico y la comedia.
LA TRAGEDIA
En la tragedia se mantuvo el coro, integrado por 12 a 15 hombres. El relato que se representaba estaba escrito en verso y se estructuraba en escenas o episodios. Los cantos del coro eran seguidos por momentos de diálogo entre los personajes importantes (nunca más de tres personajes en una escena) y así sucesivamente. Después del último episodio el coro cerraba la historia con un canto final.
Como las historias que se representaban estaban basadas en mitos y relatos griegos, los ciudadanos se sentían muy identificados con ellas. El objetivo no era solamente contarlas, sino reflexionar sobre el carácter de los personajes y las consecuencias de las acciones individuales.
Los tres principales autores de la tragedia griega y algunas de sus obras:
■ Esquilo (Prometeo encadenado, La Orestiada).
■ Sófocles (Antígona, Edipo Rey, Edipo en Colona).
■ Eurípides (Medea, Electra, Las suplicantes).
LAS TRAGEDIAS GRIEGAS
PROMETEO ENCADENADO
Esta es una obra de 29 páginas escrita por Esquilo. En esta tragedia se narra la historia del titán Prometeo, quien es el protagonista, y comienza justo después de que Zeus lo castiga por haber entregado el fuego a los hombres.
LA ORESTIADA
Es una tragedia escrita también por Esquilo, misma que tiene 82 páginas. Esta tragedia comienza cuando Agamenón regresa de la guerra de Troya, sin esperar la traición que le espera en su tierra natal.
EDIPO REY
Esta es una tragedia de 26 páginas escrita por Sófocles en la que se narra la historia de Edipo, un hombre que se ha convertido en el rey de Tebas, luego de vencer a la Esfinge que asolaba a dicha ciudad.
ANTIGONA
Esta es una tragedia de 30 páginas escrita por Sófocles. Esta tragedia se ubica en Tebas, después de la historia de Edipo. En esta historia se narra que los hijos del antiguo rey han muerto, pero como uno de ellos ha traicionado a la polis, su castigo es no ser enterrado.
ELECTRA
Esta es una tragedia de 23 páginas escrita por Eurípides en donde se narra la historia de Electra, que es la hermana de Orestes y la hija de Agamenón y Clitemnestra.
MEDEA
Es una tragedia griega escrita por Eurípides que narra la historia de Jasón tras las aventuras que lo llevaron a conquistar el vellocino de oro, trabajo impuesto por su tío Pelias.
LA ILIADA
Esta es una obra atribuida a Homero. Narra los acontecimientos ocurridos durante 51 días en el décimo y último año de la guerra de Troya.
AYAX
Es una tragedia escrita por Sófocles. En esta obra se narra el destino de Áyax el Grande después de los acontecimientos de la Ilíada y de la muerte de Aquiles.
EL DRAMA SATÍRICO Y LA COMEDIA
En la antigua Grecia se convocaban concursos para que los escritores o poetas representaran sus obras. Aparte de tres obras trágicas (una trilogía), cada poeta tenía que presentar una sátira. El drama satírico se parecía a la tragedia tanto en su estructura formal como en su temática de carácter mitológico, sin embargo, se atrevía a burlarse de los dioses y sus mitos. Podría decirse que era una tragedia divertida. La comedia tuvo un origen similar. Era representada después del drama satírico. Su argumento se extraía más de la vida cotidiana que del mito. Los grupos que danzaban se burlaban de los espectadores. Luego aparecieron personajes que entablaban un diálogo en el cual ridiculizaban las tendencias políticas, religiosas, filosóficas y literarias de la época. En el teatro griego los actores eran todos hombres, quienes caracterizaban a varios personajes, ya fueran estos masculinos o femeninos. Ellos usaban como vestuario túnicas de calidades y colores distintos, según los personajes, y grandes máscaras para que el público pudiera verlos desde lejos. Dichas máscaras recalcaban las características de los personajes. Las máscaras morenas representaban personajes masculinos, y las claras, los femeninos. Además, usaban zapatos con una plataforma muy alta para ganar tamaño, a los cuales llamaban coturnos. El movimiento era estilizado y se daba gran importancia a la voz. La música acompañaba a las danzas todo el tiempo. EL ESPACIO ESCÉNICO
El teatro se volvió tan popular que, si bien al inicio se representaba en las plazas públicas bajo toldos o tiendas, más adelante se escenificaba en construcciones especialmente edificadas para ello en cada ciudad importante; algunos de estos teatros aun hoy sobreviven. En la base de los cerros se creó primero un área circular y plana utilizada para las danzas del coro, llamada orquesta o ’lugar donde se baila’. Alrededor de la orquesta se colocaban gradas de madera para los espectadores. Posteriormente, aprovechando la falda de los cerros, se construyeron graderías semicirculares alrededor de la orquesta, reforzadas con piedras. Este espacio fue llamado theatrón , palabra griega que significa ’lugar desde el cual se ve. Ahí se ubicaba al público y tenía una capacidad para 15 mil a 20 mil espectadores. Los toldos o tiendas que se armaban en las plazas para los actores (o skené) se convirtieron en un cuarto rectangular frente a la orquesta, y delante de esta se armó un espacio alargado (proscenio o ‘lugar frente a la skené’) desde donde hablaban los actores; este es el origen del escenario. Conforme los actores ganaban importancia y la del coro disminuía, los escenarios se fueron agrandando y tomando parte del espacio de la orquesta. Además, se erigieron tres niveles que separaban a los grupos participantes en la ceremonia: en el más bajo se situaba el coro; en el intermedio, los actores, y en el más alto, los dioses.
TEATRO ROMANO
En el siglo IV a.C., la república romana había empezado su expansión y Grecia terminó siendo absorbida por esta. Los romanos reconocieron el alto nivel cultural alcanzado por los griegos e intentaron imitarlos en muchos sentidos, hasta llegar a fusionar finalmente esta cultura con la suya. Por eso se suele hablar de la cultura grecolatina.
Los romanos heredaron la tradición de las últimas comedias griegas; y aunque sus primeras representaciones también estuvieron ligadas a lo religioso, terminaron convirtiéndose especialmente en un medio de entretenimiento. Los más grandes autores de estas comedias romanas fueron Plauto y Terencio. Asimismo, introdujeron el arco dentro de las construcciones. Con este elemento arquitectónico, los teatros ya no necesitaron las colinas como apoyo para las graderías y pudieron ser situados en medio de una manzana o cuadra. La reducción de la importancia del coro hizo que el área destinada a él, la orquesta, fuera reduciéndose cada vez más, mientras el espacio de la escena fue ampliándose.
Hacia el siglo II d.C., la gran masa de la población romana demandaba espectáculo más que drama. La tragedia y la comedia fueron usadas como pretextos para crear otros entretenimientos, de tal forma que incluso las sangrientas luchas de los gladiadores se organizaban de modo teatral. El gusto popular se orientó tanto a la obscenidad como a la crítica política, lo que empezó a originar la censura de la Iglesia emergente.
orientó tanto a la obscenidad como a la crítica política, lo que empezó a originar la censura de la Iglesia emergente.
Como podemos ver en las imágenes los auditorios dedicados a este arte fueron cambiando con el tiempo
el teatro griego o de 180 grados es un semicírculo pegado a una montaña para las graderías
el coliseo romano se forma de la unión de 2 teatros griegos de forma circular en la que ya no era necesario estar en las faldas de las montañas para las graderías
el teatro frontal o a la italiana surge de las compañías de teatro que viajaban de ciudad en ciudad usando sus carretas como escenario
luego solo hay variaciones del teatro frontal o proscenio tipo corbata etc
EVOLUCION DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI Antes de Cristo. Los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales acaban evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los principales logros culturales de los griegos. La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto. Destacaron los escritores Esquilo, Sófocles y Eurípides. Aquí se presentan algunas características de la tragedia
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas
b) Las historias están basadas en mitos o antiguos relatos.
c) Eran obras de poca acción.
Aristóteles decía que la tragedia debe estar lo más que se pueda bajo un mismo periodo de sol o excederlo un poco. En poco más de un siglo los griegos crearon dramas y comedias que aún interesan y conmueven. Esquilo ha sido llamado el padre del drama griego porque contribuyó a que las representaciones teatrales se transformaran en espectáculos.
EL TEATRO ROMANO
No se
desarrolló hasta el siglo III Antes de Cristo. Al principio se asociaba con
festivales religiosos, pero la naturaleza espiritual se perdió pronto. Al
incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un
entretenimiento. No es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia.
El periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II Antes de Cristo,
y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones
de la comedia nueva griega Este primer período se denomina clásico, porque
comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, Grecia y Roma, y las obras
están escritas en griego o latín. Alrededor del final del siglo II Después de
Cristo, el teatro literario entra en declive y es sustituido por otros
espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana atacó el
teatro romano y contribuyó al declive del teatro, así como a considerar a las
personas que participaban en él como inmorales. Sólo los artistas populares,
conocidos como juglares y trovadores, sobrevivieron y proporcionaron un nexo de
continuidad.
TEATRO
MEDIEVAL
El teatro europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, es en
sí misma un drama, una representación de la muerte y resurrección de Cristo.
Serán los clérigos los que creen los primeros diálogos teatrales: los tropos,
con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas
representaciones, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a
un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a
poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de
representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las
iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos. En el siglo XIV, el
teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias
y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Eran producidos
por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían
durar de dos días a un mes. Como los intérpretes eran aficionados y
analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil memorización.
AUTOS Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas
pastorales y persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto
influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Los autos diferían
de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios
bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales como los
trovadores y juglares.
EL TEATRO EN LA EDAD MEDIA Y EL RENACIMIENTO
Edad Media (siglos V y XV) Con la caída del Imperio Romano en el 476 d.C. decae también el teatro clásico grecolatino. La Edad Media se caracterizó por una influencia muy fuerte de la Iglesia católica en todos los ámbitos de la sociedad: la censura eliminó el teatro de crítica dura y entretenimiento. El teatro volvió a vincularse con lo religioso, pero a diferencia de las ceremonias rituales de los primeros siglos, las ceremonias teatrales medievales tuvieron un objetivo muy claro: adoctrinar o enseñar a los pobladores, muchos de ellos analfabetos, la historia de la Biblia. La celebración litúrgica de la misa es ya una representación teatral de la muerte y resurrección de Cristo. En la Edad Media fueron los mismos clérigos los que crearon y actuaron los primeros diálogos entre personajes importantes de la historia bíblica. Tales representaciones se realizaban al interior de las iglesias alrededor del siglo X
Estas pequeñas piezas de teatro representaban especialmente los episodios de la Navidad (nacimiento de Cristo) y el de la Pasión (resurrección), son conocidas con el nombre de Misterios. Como derivación de los Misterios pero utilizando más elementos simbólicos y un tono más trascendental, aparecen las Moralidades, las cuales tenían siempre una intención pedagógica. Las representaciones se hicieron cada vez más largas y con más elementos de espectáculo (decorados, vestuarios). Surgieron personajes irreverentes que ya no podían ser representados por clérigos, entonces se incorporó a actores del pueblo. Cada vez se incluyeron más elementos profanos (no religiosos) y cómicos. Fue entonces que los clérigos decidieron que este drama litúrgico debía abandonar el interior de las iglesias. Al principio se usaron los pórticos y atrios de estas, pero luego ocuparon las calles, plazas y cementerios. Al salir a la calle, la forma de representación cambió, se utilizaron espacios escénicos independientes creados sobre carros de madera o tablados, en cada uno de los cuales se escenificaba una parte de la obra: fue el inicio de los escenarios múltiples.
“El juglar inicialmente fue el intérprete de los poemas y canciones de los trovadores, era un artista popular que en tablados instalados en plazas públicas ejecutaba juegos, malabares, acrobacias o improvisaciones teatrales antes de vender al público objetos diversos.
Paralelamente al teatro medieval religioso surgió con fuerza el teatro medieval popular (siglo XIV), realizado por los pobladores de la ciudad. En este se dejaban de lado los contenidos directamente ligados con la religión. El teatro medieval popular halló su espacio en las fiestas de carnavales, los mercados o cualquier ambiente transitado cotidianamente.
RENACIMIENTO (SIGLOS XVI Y XVII)
Humanismo: en el Renacimiento surgió un tipo de pensamiento en el cual el ser humano volvió a ser tomado como centro del universo y de las investigaciones, y es visto como una fuente casi inagotable de posibilidades. Este pensamiento humanista influyó en muchas áreas, incluyendo el teatro.
La historia marca el fin de la Edad Media con la toma de Constantinopla por los turcos en el año 1453. Con la caída de Bizancio (o Constantinopla), muchos latinos huyeron a Occidente llevando consigo textos clásicos a los cuales el resto de europeos no había tenido acceso. Esto, unido a otros cambios sociales, hizo surgir, hacia el siglo XV, un movimiento cultural que buscaba recuperar el arte clásico de Grecia y Roma, al que se le llamó Renacimiento.
Durante el Renacimiento comenzó un proceso de recreación del teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo, las reglas y las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es frecuentemente llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener conocimiento exacto de cómo eran las representaciones en las épocas antiguas, las obras clásicas se reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho durante esos años y que tenía gran aceptación (el teatro popular, especialmente).
EL TEATRO ITALIANO Y LA COMEDIA DEL ARTE EN ITALIA
siguiendo la corriente clasicista, se edificaron teatros al estilo antiguo (tal como habían sido en el Imperio Romano), pero sobre espacios rectangulares ya existentes; así adquirieron una forma más parecida a los teatros de hoy (el teatro “a la italiana”).
Durante el Renacimiento comenzó un proceso de recreación del teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo, las reglas y las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es frecuentemente llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener conocimiento exacto de cómo eran las representaciones en las épocas antiguas, las obras clásicas se reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho durante esos años y que tenía gran aceptación (el teatro popular, especialmente). Se descubre la perspectiva con la cual se logra crear la ilusión de profundidad en las pinturas de los decorados. En los teatros más cultos se puede ver un gusto especial por el refinamiento clásico, tanto de las formas como de los textos dramáticos. Sin embargo, en el teatro popular aparece con gran fuerza la tendencia a la improvisación con la Comedia del Arte.
En la mencionada Comedia del Arte, los actores improvisaban todo el tiempo sobre la base de estructuras definidas (pequeños diálogos o secuencias ya conocidas o creadas por ellos con anticipación) que incorporaban según la situación originada en el momento.
EL TEATRO FRANCÉS: MOLIÈRE
Francia fue el país donde más se intentó seguir al pie de la letra las líneas clásicas establecidas por los griegos y romanos. Esta tendencia clasicista tenía su público especialmente en las cortes, frente a espectadores aristocráticos y cultos. Sin embargo, aunque se escribieron algunas tragedias, estas no alcanzaron tanto éxito como la comedia francesa de finales del siglo XVI, derivadas de la farsa ya popular en la Francia de esos tiempos.INGLATERRA (SIGLOS XVI Y XVII): EL TEATRO ISABELINO Y SHAKESPEARE
Al teatro inglés de esta época se le conoce también como teatro isabelino porque se desarrolló durante el reinado de Isabel I, a finales del siglo XVI. Este fue el teatro que más se alimentó de las anteriores formas populares medievales, dejando de lado muchas de las reglas del teatro clasicista. El teatro inglés se estructuraba en actos y escenas, intercalaba el verso con la prosa, mezclaba la tragedia y la comedia, combinaba diversas tramas a través de grandes márgenes de tiempo y espacio, unía personajes de distintas clases sociales, e incorporaba música, danza y espectáculo en toda la presentación.
WILLIAM SHAKESPEARE
El mayor representante del teatro inglés, considerado además uno de los más grandes dramaturgos de todos los tiempos. Era especialmente hábil con el lenguaje, no solo por lo poético de sus versos y prosa, sino por la capacidad de trasladar al espectador, mediante la palabra, a espacios muy alejados y distintos entre sí. Fue también un gran conocedor de los impulsos y procesos humanos. Shakespeare escribió numerosas obras que hasta hoy se siguen representando, no solamente en Inglaterra sino en diferentes partes del mundo y de muy diversas formas, incluso muchas de estas han sido llevadas al cine. Algunas de sus obras más importantes son Romeo y Julieta, Hamlet, El rey Lear, El mercader de Venecia, Otelo, Macbeth, Sueño de una noche de verano, entre muchísimas más.EL TEATRO ESPAÑOL Y EL SIGLO DE ORO (SIGLO XVII): LOPE DE VEGA
En España, como en Inglaterra, el teatro también se pudo liberar un poco de las reglas más rígidas del Renacimiento. En el siglo XVI, España intercambió mucho con el teatro italiano, creando, para fines del XVII, un nuevo teatro propiamente español. Las obras se escenificaban en corrales de comedia, que eran espacios al aire libre (patios o corrales) ambientados para la representación. Los grupos de teatro en ese entonces estaban consolidados en compañías de actores, donde cada actor tenía un “papel tipo” que interpretaba siempre (el gracioso, la dama, etcétera)Otro autor importante de ese tiempo fue Calderón de la Barca, quien escribió la conocida obra La vida es sueño y autos sacramentales como El Gran Teatro del Mundo. Por esta misma época, el gran novelista español Miguel de Cervantes escribió su obra maestra Don Quijote de la Mancha, llevada también al teatro y al cine en múltiples ocasiones.
CREACIÓN
DE LA ÓPERA
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de
los intermezzi, y los continuos intentos de recrear la producción clásica,
llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer
teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy
popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de
la ópera en Italia.
TEATRO
DEL SIGLO XVIII era en gran parte de
Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se
escribían obras ajustadas a su estilo Estos actores adaptaban clásicos para
complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de
Shakespeare eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para
complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales
neoclásicos. Destacamos a Goethe y Schiller los más importantes representantes
del teatro alemán. Goethe destaca por Las penas del joven Werhter. Goetz van
Berlichingen, Egmont, Wilheim Meister y Fausto. Schiller escribió dramas
clásicos de la cultura alemana como Los bandidos, Don Carlos, Guillermo Tell y
Wallestein.
TEATRO DEL SIGLO XIX A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas
filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando
a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo. Uno de los
principales renovadores del teatro en este siglo es el noruego Henrik Ibsen,
fundador del teatro de ideas en oposición al teatro, de acción propiamente dicha.
Analiza en sus obras las relaciones sociales y humanas del siglo XIX. Destacamos
entre sus obras Casa de muñecas, Espectros, Hedda, Gabler y Peer Gynt.
TEATRO
ROMÁNTICO
El romanticismo apareció en Alemania, un país con poca tradición
teatral antes del siglo XVIII. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el
teatro en la mayor parte de Europa. El teatro romántico español buscó la
inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado
por las pasiones. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de
Oro. La voz engolada y el verso rotundo triunfan en el teatro romántico
español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema
del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo
romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de
este personaje y obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en
algún teatro español.
TEATRO BURGUÉS
Proponía una recreación de lo local y de
la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir a un
hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el
objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared NATURALISMO
Y CRÍTICA SOCIAL A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista,
las motivaciones psicológicas de los personajes, la preocupación por los
problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia
en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte,
como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos
y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo
real. REALISMO PSICOLÓGICO Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad
genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y
los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes
estudios de individuos
TEATRO
DEL SIGLO XX Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse
esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad.
Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción
antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena. En el
siglo XX el teatro toma un impulso renovador. Las ideas naturalistas,
simbólicas, realistas, impresionistas y neorrománticas, han sumado su
influencia a la del cine. Destacamos La noche del sábado, gente conocida, Campo
de arnillo, Rosas de otoño, Pepa Doncell. Recibió el premio Nobel de Literatura
en 1922. Ramón María del Valle Inclán se sitúa en la corriente modernista e
impone lirismo a su prosa. Se caracteriza por la suntuosidad de su estilo. Sus
principales obras son Águila de blasón, Romance de lobos, Cara de plata, Divinas
palabras y Luces de Bohemia. Federico García Lorca destaca por el lenguaje
lleno de metáforas y por inusitadas figuras renovadoras. Se nutre de lo más
genuino y popular de la tierra española. Sus obras más destacadas son Mariana
Pineda, Doña Rosita la soltera, La zapatera prodigiosa, Bodas de sangre, Yerma
y La Casa de Bernarda Alba.
TEATRO SIMBOLISTA Los simbolistas hicieron una
llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en
desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX,
sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la
interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil
interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general
lento y semejante a un sueño.
TEATRO
EXPRESIONISTA
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras
décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más
violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre
el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza
por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
TEATRO DEL ABSURDO
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo,
que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con
un texto dramático o un contexto escénico.
TEATRO CONTEMPORÁNEO
El teatro
realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. El
objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin
recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la
memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones
y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente
orquestado para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente
que realista
MUSICAL
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación
en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras
historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo,
la canción y la danza. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo
había dejado el musical para convertirse en algo más serio. A finales de la
década siguiente, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos
y económicos, volvieron los musicales bajo un signo de desmesura y lujo,
haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.
EL TEATRO EN
LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas nociones de cómo pudieron ser las manifestaciones
escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían
en rituales religiosos. Existe un único texto dramático maya, descubierto en
1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se
enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de
distintos elementos espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la
expresión corporal. A partir de la época colonial, el teatro se basa en los modelos
procedentes de España. No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro
latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al tratar temas propios
tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado.
Se caracteriza por su notable vigor. Surge el teatro social El dramaturgo
Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para
obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La
Candelaria se han preocupado por realizar un teatro que sirva como medio de
discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y
estético del drama.
EL TEATRO ORIENTAL
en general tiene ciertas características
en común que lo distinguen del teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático
es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo
ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, son obras
integradoras de las diversas artes que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
TEATRO
INDIO Y DEL SURESTE ASIÁTICO
El teatro indio en sánscrito floreció en los
siglos IV y V. Las piezas estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o
humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las
cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero
no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos de cada parte del
cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificados. Las
marionetas y el teatro danzado, han sido muy apreciados en varios momentos de
la historia de la India. En el Sureste asiático, el teatro de marionetas es la
forma dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java.
En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus
movimientos para imitarlos.
TEATRO CHINO
El teatro chino empezó a desarrollarse
en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el
siglo XIX, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una
importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias
más que al texto literario. La representación puede describirse como una
colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición
acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la
habilidad de los actores. El escenario es una plataforma desnuda con el
mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles
codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son
simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero el estilo
ha seguido siendo más o menos el mismo.
TEATRO JAPONÉS
El teatro japonés comenzó en el siglo VII
Después de Cristo y es el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más
conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es
estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada
intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia.
Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el
siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido.
Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado,
así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los
intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño
natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la
tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los
del teatro occidental.
VEINTITRESAVA ACTIVIDAD
Esta semana deberán enviar su portafolio del 4 bimestre con las caracteristicas que hemos trabajado el bimestre pasado como su orientacion vertical su caratula con datos completos, la cual debera ser trabajada en word y enviarla al sieweb en pdf, guarde con cuidado el archivo en word ya que cada semana debera ir colocando las siguientes actividades, esta semana en una hoja bond o word van a elaborar un organizador visual acerca de la evolucion del teatro, recuerden en usar el tipo mas apropiado al tema como es la linea de tiempo o un mapa mental de forma digital o manual, no se olviden responder las preguntas de retroalimentación. ¿Porque es importante el teatro en el transcurso de la historia? ¿Has visto presencialmente alguna obra teatral? ¿Qué te ha llamado mas la atencion del tema desarrollado en clase? presentar su portafolio de acuerdo a las fechas programadas.
EL ACTOR Y LA MASCARA
El video que veremos a continuacion es una presentacion teatral cuyo tema es el mismo teatro, de forma amena y didactica se explicara el origen de este arte y algunas caracteristicas que observamos en una actuacion teatral, por su extension lo trabajaremos por partes luego de observar unos minutos el desarrollo de un tema pasaremos a describir lo que hemos visto, analizar que aspectos se ha tocado del teatro su origen, sus elementos, su estructura, luego comentaremos el mensaje, que nos quizo comunicar o que entendi de la presentacion esta actividad lo desarrollaremos de forma sincronica en clase o por escrito colocando esta redaccion en el portafolio para su revision asincronica.
https://www.youtube.com/watch?v=dDVOicIHfmU&t=799s
Esta semana veremos los conceptos básicos del teatro ya hemos visto sus elementos principales su origen un poco de su historia y en esta actividad trabajaremos algo sobre la estructura narrativa antes un concepto básico la diferencia del teatro profesional del teatro con fines pedagógicos.
Luego consideremos la forma de contar una historia para que resulte interesante, para esto debemos seguir la secuencia lógica de presentación del contexto lugar y tiempo, los personajes, la presentación del conflicto luego el desarrollo de la acciones que nos llevaran al clímax y el desenlace o final, es recomendable que se solucione todos los problemas trabajados para que no quede en la obra los cabos sueltos o algún aspecto de algún personaje que no sabe que pasara.
ALGUNOS CONCEPTOS BASICOS
TEATRO PROFESIONAL
Podría decirse que el teatro, como hecho profesional, es una síntesis sustancial del texto, actores y público, en el cual lo que importa es el resultado final. Solo la fusión de un texto dramático, actores y público en un todo es lo que produce el hecho teatral.
Por lo tanto, cuando se habla de teatro no se está haciendo referencia al edificio o al espacio donde se suelen representar los textos dramáticos, aunque el sitio físico reciba también la denominación de teatro; ni al escenario donde generalmente se paran y actúan los actores; sino al momento mismo de la representación de los actores de un texto frente a un determinado público.
Es por ello que puede hablarse de teatro de la calle, así como se puede hacer teatro en un aula de la escuela, en un parque o en cualquier sitio o espacio que no haya sido especialmente pensado para el teatro, pero que busca un resultado final frente a un determinado público.
En resumen, la descripción anterior es la perspectiva usual que se tiene sobre el teatro, que es concebido como espectáculo y que busca entretener, conmover o hacer reflexionar a un público determinado.
TEATRO CON FINES PEDAGOGICOS
El teatro con fines pedagógicos Protegido en la intimidad del aula, despreocupado del público y libre de artificios (luces, decorados, vestuario y otros), el teatro con fines pedagógicos se centra en el aspecto vivencial y no en la exhibición; es decir, en el proceso y no en el resultado. Dicho proceso suele ser bastante espontáneo. Suelen utilizarse diversas motivaciones para iniciar los ejercicios, como una narración, canción, poema, situación, etcétera. Puede desarrollarse en un aula o en cualquier espacio adecuado para los fines que se persiguen. Los diálogos y la recreación de la escena pueden predeterminarse o improvisarse en función de los objetivos de aprendizaje. Lo más importante es que los participantes logren expresarse oral y corporalmente, manifestando lo que sienten e imaginan con toda libertad y más allá del resultado final. Aunque se busca que dicha expresión sea lo más pulida posible, este no es el fin último.
En resumen, el teatro con fines pedagógicos es utilizado como una herramienta para el desarrollo de capacidades y aspectos importantes de la personalidad individual y social de los estudiantes, incrementar su capacidad de apreciación artística y, en menor medida, ayudar a descubrir intereses más profundos en aquellos que muestren una inclinación y talento especial por esta disciplina.
EL DRAMA
El término “drama” procede del griego y hace mención al género literario que requiere ser representado por personas; es decir, se cuenta una historia que es dialogada por personajes interpretados por actores sobre un escenario y frente a un público. En otras palabras y simplificando la definición, una obra dramática es el texto que sirve de base para la ejecución de una obra de teatro; aunque finalmente sean lo mismo, ya que una obra dramática sin ser puesta en escena no tiene sentido, puesto que su razón de ser es la de ser representada.ESTRUCTURA DE LA OBRA DE TEATRO
Tienen dos niveles la estructura interna y externa una es relativa a la narración de la historia la presentación el conflicto el clímax y el desenlace, la estructura externa es referida a la forma del libreto dividida en actos cuadros escenas
ELEMENTOS DE LA NARRACION TEATRAL
A continuación vamos a desarrollar lo que es el drama creativo, el cual consiste en terminar una historia teniendo como base a los personajes el ambiente la situación o contexto y la presentación del conflicto, como ya sabemos el argumento o linea narrativa ahora corresponde a la resolución de la historia mediante el clímax, quien triunfara los gatos o los ratones mediante que acciones, cual será el desenlace de la historia, como quedaran los personajes luego del desenlace, recordaremos la frase clásica de los cuentos de hadas de vivieron felices para siempre, la cual ya no es suficiente para las nuevas generaciones, tratemos de ser creativos para no caer en estereotipos como los de la serie animada Tom y Jerry que el desenlace sea imprevisto que realicen alguna acción que nadie esperaría, también tomaremos en cuenta que se trata de una obra de teatro por lo que las acciones se deben desarrollar mediante acciones no mediante un narrador
VEINTICUATROAVA ACTIVIDAD
Esta semana luego de ver una parte del video el actor y la mascara los alumnos de forma sincronica deberan responder algunas preguntas que formule el docente a fin de establecer la comprencion de los principios del teatro y la actuacion, los que no puedan participar durante la sesion sincronica deberan colocar por escrito sus respuestas en el portafolio virtual de arte para su posterior revision, no se olviden responder las preguntas de retroalimentación. . ¿Porque se ha relacionado las máscaras con el teatro? ¿Qué opinión puedes dar del video observado? ¿Qué te ha llamado más la atención del tema desarrollado en clase? presentar su portafolio de acuerdo a las fechas programadas.
METODO DE MONTAJE DE UNA OBRA TEATRAL
Para transformar una obra literaria en una obra teatral debemos seguir algunos pasos que lo hace tanto el teatro profesional como el de fines pedagogicos, se realiza en dos momentos importantes el primero llamdo trabajo en mesa y el segundo los ensayos en el escenario propiamente dicho.
1.-FORMAR EL GRUPO DE TEATRO en el caso de teatro profesional esto lo hace el productor quien convocara a un casting para la seleccion o lo hara por invitacion si quiere trabajar con actores especificos en el caso del teatro con fines pedagogicos los grupos se forman por afinidad o lo organizara el docentecon los integrantes del salon.
2.- EL TRABAJO EN MESA consta de varias reuniones donde los integrantes del grupo teatral leeran el libreto de la historia propuesta y daran su opinion sobre el texto modificaran adaptaran o cambiaran algun aspecto de la obra para que sea mejor entendido por el publico luego que se pusieron de acuerdo a ese texto se denominara texto de espectaculo, la segunda parte del trabajo en mesa es la distribucion de personajes.
3.- LECTURA DRAMATIZADA una vez distribuido los personajes se realizan lecturas individuales para su memorizacion pero luego se reunira el grupo para leer sus lineas con la entocion adecuada con el fin de memorizacion de toma de tiempo total de la obra, e ir construyendo la familiaridad entre los personajes.
Esta etapa es muy importante ya que en epocas anteriores se uso como una expresion teatral terminada en las llamadas radionovelas donde los actores senatdos frente a sus respectivos microfonos tramsmitian de forma presencial cada capitulo de una novela por radio, en la actualidad tambien se usa en los doblajes o cambio de idioma de las peliculas
4 .-ENSAYOS el ensayo teatral tiene varias etapas
a.- Ensayo de marcacion que es la ubicacion de los actores en el escenario y sus desplazamientos
b.- Ensayos de correccion o practicas para realizar su trabajo adecuadamente
c.- Ensayos de pulimiento son practicas para alcanzar una ejecucion mas esmerada, bajo la mirada del director se paraliza la accion teatral para corregir modificar o avanzar de una a otra escena de ser necesario.
d.-Ensayos generales se trata de representar la obra completa sin interrupciones y sin publico es muy importante esto porque al tratarse de la obra terminada se puede detectar algun problema relacionado a los aspectos tecnicos como los tiempos de cambio de vestuario, iluminacion tiempos de cambio de escenografia etc
5.-PRESENTACION DE LA OBRA La obra teatral se presenta ante el publico en un auditorio, luego de todo el proceso de produccion, se ha simplificado algunosmaspectos que no viene al caso estudiar como la preproduccion o estudio economico de la obra y lacomercializacion de la misma mediante la publicidad y busqueda de nuevas salas.
EL PROYECTO ARTISTICO TEATRAL
En esta unidad vamos a redactar un proyecto artistico para el area de teatro, ahi deberan proponer la realizacion de una representacion teatral grupal cuyo mensaje a trabajar sea la practica de valores. para realizar este trabajo recordaremos las partes de un proyecto, las cuales son de uso obligatorio e indispensables en la presentacion de cualquier tipo de proyecto
En forma general trabajaremos con el siguiente esquema:
1.- TITULO DEL PROYECTO
Debe ser llamativo, explicito pero no muy largo Algunos ejemplos podrían ser para una imagen religiosa “Pintando a María” “Imágenes del cielo” o más concretos como “Mural a la virgen”, “Dibujo religioso”
2.-DATOS INFORMATIVOS
Aquí deben poner tus datos personales nombre apellido grado y sección en caso de grupo el nombres de los integrantes del grupo su grado y sección
3.- FUNDAMENTACION
Aquí deben redactar en forma clara y precisa porque es útil o necesario llevar a cabo tu proyecto, a quien o quienes beneficiara y que apoyo requieren para hacerlo, es un texto argumentativo corrido no es un cuestionario aunque algunos autores proponen resolver estas preguntas, estas se resuelven directamente en el texto no individualmente sino de acuerdo a su pertinencia.
por ejemplo:
1.-Que siendo el aniversario de la virgen una fecha importante para los alumnos del colegio deseamos elaborar murales alusivos a esta fecha como decoración de las instalaciones del plantel.
2.- Que deseando explorar nuevas técnicas artísticas, mostrar nuestras habilidades para el dibujo, canto o danza, o sintiendo la necesidad de expresar nuestros sentimientos o postura en esta significativa fecha, elaboraremos un ……
4.- OBJETIVOS
En esta parte del proyecto se deben definir exactamente qué es lo van a lograr o elaborar al termino del proyecto, son de 2 tipos el objetivo principal y los secundarios, en todo caso no deben ser más de dos o tres y en ningún caso o por ningún motivo el objetivo debe ser económico por ejemplo:
Se elaborará un mural dedicado a la virgen de 4.00 por 1.20 mts.
Realizaremos una pintura en lienzo de 40 x 30 cm. a tempera
Se interpretará una canción del genero criollo en coro
Y como objetivo secundario podemos poner
demostraremos nuestra habilidad artística, el conocimiento de esta técnica, etc.se recomienda que los objetivos sean:
CLAROS: Formulados en un lenguaje comprensible y preciso, fáciles de identificar.
FACTIBLES: Posibles de alcanzar con los recursos disponibles, con la metodología adoptada y dentro de los plazos previstos.
PERTINENTES: Tienen una relación lógica con el tipo de problema que se pretende solucionar.
5.-PROCEDIMIENTOS
En el procedimiento debe ir un cronograma de las actividades a realizar, desde la presentación del proyecto hasta el término de el mismo y luego la evaluación de cumplimiento de objetivos, si bien estas fechas podrían cambiar un poco deben mantenerse los tiempos programados, si se planifica para una semana de trabajo no se puede demorar un mes ya que eso invalidaría el plan de trabajo
Al final debe tener la leyenda el tiempo total de ejecución del proyecto será de ........
6.-COSTOS Y MATERIALES
En esta parte se enumeran los materiales a emplear con cantidades y costos lo más exacto posible, ya que una variación importante de costos podría invalidar el proyecto, se debe tomar en cuenta los servicios que son pagos por algún proceso del proyecto que no se va a ver físicamente pero es indispensable para su culminación, como por ejemplo si vamos a comprar material la movilidad es un costo pero no aparece en el producto final.
Al final debe tener la leyenda el costo total de la obra será de .........
7.- EVALUACIÓN
La evaluación de un proyecto debe ser parte del proceso, se debe monitorear como se está desarrollando y plantear criterios de evaluación acordes al lenguaje artístico del proyecto
Por ejemplo no es lo mismo evaluar una pintura que una danza, se deberá evaluar con diferentes criterios, indicadores como creatividad, presentación o limpieza, cumplimiento del trabajo en equipo, se deben tener en cuenta.
Si se plantea un proyecto para una semana de trabajo y vamos 4 días y no se ha llegado a la mitad de lo planificado la evaluación de proceso nos debe indicar hacer modificaciones para poder recuperar ese tiempo o cancelar el proyecto.
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Participación de los alumnos |
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Nivel técnico alcanzado |
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Organización logística |
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Satisfacción del publico |
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VEINTICINCOAVA ACTIVIDAD
Esta semana luego de revisar el material del blog elaboraran un proyecto artistico teatral, en una hoja bond o word siguiendo el formato establecido para el proyecto seguiran todos los pasos para proponer una obra teatral a presentarse en el auditorio del colegio, con un mensaje que desarrolle el tema de valores, no se olviden responder las preguntas de retroalimentación. ¿Porque es importante elaborar un proyecto antes de realizar una actividad artistica? ¿Has visto o participado en alguna obra teatral? Que te parecio la experiencia, debes presentar tu portafolio con todas las actividades del bimestre de acuerdo a las fechas programadas.
LA EXPRESION CORPORAL
Puede definirse como la disciplina cuyo objeto es la conducta motriz con finalidad expresiva, comunicativa y estética en la que el cuerpo, el movimiento y el sentimiento como instrumentos básicos.
Esta semana avanzaremos en nuestro conocimiento del teatro, una parte importante del trabajo actoral es la expresión corporal que es la comunicación usando el cuerpo no solo los gestos sino también las posturas, actitudes velocidades etc.
https://www.youtube.com/watch?v=h0qs9tTrTR4
Hay un estudio que nos manifiesta que en la comunicación normal entre personas el 80 % corresponde a la expresión corporal y el 20 % a la verbal y hay toda una especialidad lamada semiótica encargada de su interpretación, este tema también es importante porque permite el desenvolvimiento del estudiante en público, ayudando a superar temores y preparando al alumno para su desarrollo social de manera más armoniosa.
La Expresión Corporal es una metodología para organizar el movimiento de manera personal y creativa, constituyéndolo en un lenguaje posible de ser desarrollado a través del estudio e investigación de los componentes del movimiento, del cuerpo propio y de los múltiples modos de estructuración del movimiento en el tiempo y el espacio.
El teatro nos sirve como medio de mejorar nuestra comunicación personal mostrando u ocultando estados anímicos en situaciones determinadas, así como el manejo de grupos tan importante en los lideres y manejo de personal
LA PANTOMIMA
La pantomima es una representación teatral que se realiza mediante gestos y figuras, sin la intervención de palabras. El término proviene de un vocablo griego que significa “que todo imita, es un subgénero dramático del mimo y el mimodrama que consiste en representar una historia mediante la mímica. sin diálogos ni palabras, es decir apoyando la narración con expresiones, gestos o movimientos corporales.
La mímica dramática se desarrolló durante el Imperio Griego y el Imperio Romano dentro de la dramaturgia clásica. Formaba parte de los recursos de la representación dramática con máscaras y el respaldo de un coro y músicos, con monólogos y diálogos. Pasó al teatro romano haciéndose muy popular como sátira de hazañas militares y relatos épicos.
Durante la Edad Media algunos juglares conservan parte de esos recursos mímicos en sus narraciones (leyendas del folklore tradicional y baladas épicas). En el siglo XIV se populariza el drama Nō en Japón, género teatral que comparte muchas características con la pantomima moderna. La mímica dramática conseguiría su máximo apogeo en la Italia del siglo XVI dentro de la Commedia del Arte, donde los actores usaban máscaras llamativas durante las puestas en escena humorísticas y adornadas con acrobacias.
Expresión corporal. Facilita que el niño aprenda a transmitir sus sentimientos a través de su cuerpo. Ponerse en el papel de un personaje les ayuda a conectar con sus emociones, ver el mundo desde el cuerpo de otra persona. Esto además les permite sentirse seguros de sí mismos y les ayuda a desinhibirse, perder la vergüenza y ganar confianza. Es una actividad perfecta para relacionarse con otros niños. Al preparar una obra, aprenden a trabajar en equipo, a respetar y ayudar los unos a los otros. Estimula la creatividad y la imaginación, tan difícil de encontrar los dispositivos móviles, tabletas, programas de televisión... Además, el teatro refuerza las tareas académicas como son la lectura y la literatura. El teatro también les ayuda a aprender valores tan importantes como la igualdad, el respeto o la tolerancia.
Los niños pueden identificarse con los personajes aprendiendo de su experiencia. Además, las obras suelen tener una moraleja final, una buena forma de que ellos mismos aprendan ciertos valores.
Gracias al teatro los jóvenes cuando representa situaciones reales o ficticias les ayuda a comprender el entorno en el que vive. Esta actividad va evolucionando a medida que la persona crece y se desarrolla, dando paso a un juego mucho más complejo y rico donde la relación del adolescente con sus iguales se vuelve cada vez más importante, lo que repercute en su desarrollo social.
Los talleres de teatro forman parte de la lista de actividades extraescolares ofrecidas a los niños. Para hacer teatro no es necesario que el niño sea un artista y tenga una cualidad innata para ello, bastará con que quiera divertirse, inventar e interpretar historias, y hacer amigos. Las escuelas de teatro, a través de juegos y actividades en grupo o individuales, son ideales para ayudar a los niños a desarrollar la expresión verbal y corporal, y a estimular su capacidad de memoria y su agilidad mental.
También sirve para que los niños retengan diálogos y trabalenguas, mejorando y favoreciendo su dicción.
https://www.youtube.com/watch?v=NwoyYcIFePMEsta semana luego de desarrollar el tema de expresion corporal de forma sincronica van a responder algunas preguntas y desarrollar algunas dinamicas propuestas en video como practicas de calentamiento o anti estres y compartiran su experiencia al realizarla, los alumnos que no puedan participar de forma sincronica resolveran por escrito las preguntas del tema y lo colocaran en su portafolio virtual de arte para su revision posterior, no se olviden de responder las preguntas de retroalimentacion ¿Qué tan importante consideras la expresión corporal en el teatro? ¿Consideras que los principios de la expresión corporal se pueden usar en tu vida diaria? Recuerda presentar su portafolio de acuerdo a las fechas programadas.
GENEROS TEATRALES
Formas menores: Entremés, paso, monólogo y farsa, entre otros.
Teatro musical: Ópera, zarzuela y sainete, principalmente.
TRAGEDIA: Género dramático tradicional, contrapuesto a la comedia. Es una obra de asunto terrible y desenlace funesto, en la que intervienen personajes ilustres o heroicos. La gran época de la tragedia corresponde a la Grecia y la Roma clásicas (Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca...), renaciendo luego en Inglaterra (Shakespeare) y en la Francia del Renacimiento (Corneille, Racine).
COMEDIA: Género dramático tradicional, contrapuesto a la tragedia. Su desenlace siempre es placentero y optimista y su fin es conseguir a través de la risa del público, el reconocimiento de ciertos vicios y defectos, la crítica a determinadas personas e instituciones; el enredo y equívoco de las situaciones, son característicos de este género teatral cómico. Su plenitud la alcanzó en Grecia en el siglo V a.c. y sus autores más característicos fueron Aristófanes y Menandro.
DRAMA: Género teatral, en que se representa una acción de la vida, mediante el diálogo de los personajes, que tratan cuestiones serias y profundas. Su origen remoto se encuentra en las fiestas de la vendimia, celebradas en honor de Dionisio, con bailes y danzas córicas ejecutadas durante las bacanales. Evoluciona progresivamente hacia el diálogo, al tiempo que se van articulando y diferenciando los géneros de la tragedia, la comedia y la sátira; alcanzando su madurez en el siglo V a.c. Los primeros teatros griegos, son erigidos con un espacio circular, destinado a los desplazamientos de los coros y grupos de danzantes; en el centro del cual se sitúa el altar con la estatua de Dionisio. Tras la orquesta queda situada la escena y los espectadores son ubicados en un amplio hemiciclo dotado de gradas, para cuya construcción en muchas ocasiones es aprovechada la vertiente de una colina En cuanto a los contenidos de los dramas, Esquilo comenzará a representar historias de héroes, en tanto que el teatro que lo precedió, tan sólo se ocupaba de las figuras de los dioses; los principales son:
Drama histórico: el que tiene por asunto de su discurso a figuras, episodios o procesos históricos.
Drama isabelino: se desarrolla en Gran Bretaña, bajo el poder de Isabel I Tudor.
Drama Lírico: aquel en que la poesía y profundidad del texto, tienen preeminencia sobre la acción.
Drama litúrgico: gestado a lo largo de la Edad Media en España y Francia; su materialización está en los autos sacramentales.
Drama de la pasión: comúnmente se representa el día de Viernes Santo, al aire libre.
Drama social: Se preocupa por la dignidad del hombre y ensalza la lucha del proletariado.
Drama satírico: En el teatro griego, género bufo, en el cual los personajes principales son sátiros y faunos.
Drama abstracto: El que en su desarrollo, no se atiene a la lógica de las acciones humanas convencionales; así el teatro del absurdo.
TRAGICOMEDIA: Obra que participa de los géneros trágico y cómico. Tal es el caso de Anfitrión de Plauto, primer autor en utilizar esta denominación. Su desarrollo a partir del Renacimiento, alcanzó gran relieve en los siglos XVIII y XIX; como el melodrama y el drama romántico. El género se caracteriza por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes - aristocracia y pueblo y por la utilización de distintos lenguajes.
AUTO SACRAMENTAL: Representaciones de episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias; el más antiguo es el denominado Auto de los Reyes Magos. Después del Concilio de Trento, numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos destinados a consolidar el ideario de la Contrarreforma, se destacan: Calderón de la Barca, Tirso de Molina, Lope de Vega, etc.
ENTREMÉS: Pieza teatral cómica, en un solo acto y de trama jocosa, surgido en España, en el siglo XVI; los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra. En el siglo XV, el término "entremés" se aplicaba en los festejos de cortes y palacios, a distintos torneos y danzas que se ejecutaban acompañadas de coros líricos.
PASO: Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias. El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.
MONÓLOGO: Monodrama - pieza dramática interpretada por un solo actor, aún cuando en ella intervengan varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.
FARSA: Pieza cómica destinada a hacer reir. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser convincente o cercano a la realidad.
VODEVIL: Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX.
ÓPERA: Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo, cantan los distintos personajes; en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros elementos. Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc. El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni, estrenan El Sátiro, La desesperación de Fileno y El juego de la ciega, consideradas como las primeras piezas de este género.
ZARZUELA: Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.
SAINETE: Pieza jocosa de corta duración - inferior a un acto - de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con o sin canciones.
Últimamente se han agregado otros géneros mas contemporáneos como los musicales, el teatro experimental, el teatro negro etc.
YO HAGO TEATRO EN CASA
Nuestras siguientes actividades se van a basar en los siguientes videos producidos por los animadores del área de formación de públicos del gran teatro nacional, al que pertenecíamos hace algunos años, por favor en cuanto puedan véanlos tomen notas porque la actividad n 4 será elaborar un proyecto de teatro y la actividad n 5 será producir elaborar la obra según las indicaciones de este curso hecho especialmente para jóvenes y cuya culminación fue un concurso de las obras de teatro ya he visto algunas de sus publicaciones y espero que todos ustedes puedan elaborar obras de teatro interesantes.El lunes 13 se publicará la actividad n 4 cuyo producto será un proyecto de obra de teatro personajes argumento contexto y desenlace.
El lunes 20 la actividad 5 será el desarrollo de la obra presentada la semana anterior es decir su libreto terminado y un video o foto de un fragmento del montaje de la obra
PRIMERA PARTE
SEGUNDA PARTE
TERCERA PARTE
CUARTA PARTE
QUINTA PARTE
SEXTA PARTE
SÉPTIMA PARTE
OCTAVA PARTE
LA APRECIACION ARTISTICA
EL ARTE EN EL SIGLO XXI
Buenos días alumnos esta semana tocaremos un tema complicado dentro del mundo del arte definir que es arte y que no lo lo es, ya casi al termino de su formación secundaria tocaremos este punto que requiere conocimientos previos de historia del arte, haber desarrollado vivencialmente alguna manifestación artística y un criterio estético ya formado.
Recordemos que el arte es una necesidad humana que se manifestó desde que el hombre toma conciencia de si y que ha tenido una influencia gravitante en muchas partes de la historia de la humanidad, las obras de la prehistoria, los egipcios los griegos el renacimiento son muestras de ello.
luego continua su desarrollo depurando sus técnicas cambiando de sentido secuencialmente de lo antigua a lo moderno para conseguir una síntesis de ambos en tiempos mas modernos, luego a comienzos del siglo xx viene una exploración de los limites del arte se experimenta con el color puro la forma la expresión la belleza lo onírico la abstracción campos que enriquecieron el arte pero que guardaban sus principios básicos como son:
La belleza o expresividad de la obra
La durabilidad o permanecía en el tiempo de la obra
El artista como profesional experto en la técnica y estética
El arte como expresión social, basado en la creatividad y la realidad
en la sesión anterior pudimos observar la visión del artista del renacimiento, prototipo de los artistas en el futuro personas cultas dedicadas al trabajo duro, y con ideales superiores, lamentablemente ya en tiempos mas modernos esto va a ir cambiando hacia un egocentrismo basado en logros de artistas anteriores en los que se nubla su percepción de las cosas y se impone modas y se establece como regla la libertad sin normas, coas que será provechada por los merchandising del arte para elevar precios sin un sustento artístico. creando para este fin una organización cerrada de vendedores críticos y galeristas para imponer lo que será el arte en la sociedad y debido a la falta de cultura artística de las personas muchas veces callamos nuestra correcta opinión pensando que podríamos equivocarnos dando así involuntariamente la razón a este grupo que impone alguna alguna obra o tipo de obra con fines netamente comerciales.
veamos el siguiente video y analicemos los argumentos si los consideramos correctos o no.
HAMPARTE
TOP DE PRECIOS DE OBRAS
AVELINA LESPER
TECNICAS DE DIBUJO GEOMETRICO
El dibujo técnico es una rama del dibujo conocido como el sistema que representa gráficamente uno o más objetos, con el fin de otorgar información útil para un posible y consecuente análisis que permitirá una próxima construcción y mantenimiento del objeto.
El dibujo técnico es el lenguaje gráfico que se utiliza para comunicar, en el marco de actividades industriales y de diseño, desde las ideas más globales hasta los detalles vinculados con un contenido tecnológico.
El dibujo técnico también se ha definido como el sistema de representación gráfica de objetos ya existentes o bien de prototipos, atendiendo a normas y convenciones preestablecidas por instituciones reguladoras. Eso permite describir de forma precisa y con claridad las dimensiones, formas y características de esos objetos materiales.
Cabe señalar que la idea de dibujo técnico va a menudo en oposición a la de dibujo artístico. Mientras el primero tiene por finalidad manifestar impresiones o sensaciones personales, influenciadas por la imaginación y las vivencias individuales, por lo que resulta eminentemente subjetivo, el dibujo técnico pretende ser objetivo y representar los objetos lo mejor posible tal cual son, de forma totalmente objetiva, a fin de proporcionar a cualquier observador la información técnica necesaria para su análisis técnico, ayudando eventualmente a su diseño, construcción y/o mantenimiento.
Respecto de la historia del dibujo técnico, no se puede dejar de mencionar a los primeros matemáticos griegos como Tales, Pitágoras y Euclides, quienes sentaron las bases de la denominada geometría del espacio, fundamental en esta disciplina. Durante el Renacimiento sobresalen los aportes de Brunelleschi y del célebre y polifacético Leonardo da Vinci.
Los esquemas, los croquis, los diagramas y los planos son modalidades de dibujo técnico que contienen especificaciones correspondientes a medidas de longitud, de altura, de ángulos, de superficie, etc. Las vistas básicas en el dibujo técnico son la de planta (vista desde arriba), la de alzada, que puede ser la frontal o lateral; y la de secciones o cortes en dos proyecciones. La definición de escalas ayuda a la interpretación de estas representaciones
Vamos a realizar algunas figuras geométricas básicas, observen el procedimiento para conseguir la figura propuesta sin errores con un dibujo correcto limpio.
Recuerden que usaremos nuestro lápiz, borrador regla graduada y compas
EL TRIANGULO
CUADRADO
PENTAGONO
OVALO
ESPIRAL FIBONACCI
CUADRICULA EN PERSPECTIVA
CUADRICULA CON PERSPECTIVA OBLICUA
PERSPÉCTIVA INTERIOR
CONCEPTOS BASICOS DE PERSPECTIVA
https://www.youtube.com/watch?v=C16s-GHiHt0
Luego de los ejercicios de dibujo técnico vamos a realizar un dibujo de perspectiva en paralelo en donde recrearemos una habitación con piso cuadriculado en donde colocaremos algunos solidos geométricos (cubos) en distintas ubicaciones y niveles de elevación
FIGURA N 1
Habitación de 10 cuadrados de largo, 5 cuadrados de profundidad y 9 de altura
Habitación con el piso cuadriculado en donde se ha colocado un cubo en la fila n 8 y 3 columnas hacia atrás y una elevación de 3 cuadrados
FIGURA N 3
Habitación con el piso cuadriculado en donde se ha colocado un cubo en la fila n 8 y 3 columnas hacia atrás y una elevación de 3 cuadrados y un cubo en la fila n 3 y 2 cuadrados de profundidad y 6 cuadrados de elevación
FIGURA N 4
Habitación con el piso cuadriculado en donde se ha colocado un cubo en la fila n 8 y 3 columnas hacia atrás y una elevación de 3 cuadrados un segundo cubo en la fila n 3 y 2 cuadrados de profundidad y 6 cuadrados de elevación, un tercer cubo en la fila n 8 y 4 columnas hacia atrás y una elevación de 7 cuadrados
ARTE EN EL SIGLO XXI
En esta unidad vamos a investigar cuales son y como se desarrollan en la actualidad las diferentes expresiones artísticas clásicas o tradicionales en el Perú y en el mundo, como la pintura, la escultura el grabado, el teatro, el ballet, la música sinfónica, la opera etc.
Que otras expresiones artísticas han surgido con el avance de la tecnología cual es su proyección para un futuro cercano, desaparecerán algunas formas artísticas de expresión cual seria su impacto en la sociedad y en el desarrollo humano, esos son algunos temas que debemos desarrollar este ultimo periodo del año y que esta inmerso en las competencias del área.
vamos a iniciar con la cinematografía o llamado séptimo arte que es la expresión mas difundida y que ha desarrollado exponencialmente desde su creación.
Vamos a desarrollar este y los demás temas de forma colaborativa , socializando los resultados
individuales para tener una visión global del tema.
individuales para tener una visión global del tema.
HISTORIA DE LA FOTOGRAFIA
La historia de la fotografía es el recuento de las invenciones, hallazgos científicos y perfeccionamientos técnicos que permitieron al ser humano capturar por vez primera una imagen sobre una superficie fotosensible, empleando para ello la luz y ciertos elementos químicos que reaccionan con ella.
La historia de la fotografía abarca desde el siglo XIX al XX, pero tiene muchos antecedentes en épocas anteriores. Es una de las tecnologías más revolucionarias que el hombre ha desarrollado. Su impacto se ha hecho sentir en las ciencias, las artes (incluso creando una nueva) y en la documentación histórica. Además dio origen a tecnologías posteriores, como el cine, entre otras.
La palabra fotografía proviene de los vocablos griegos phos (“luz”) y graphos (“escrito” o “grabado”), de modo que se trata de una escritura con luz o una grabación hecha con luz.
La idea de capturar imágenes y preservarlas ha acompañado al ser humano desde épocas antiguas. Es el fundamento de la aparición de la pintura, la escultura y, más adelante, la fotografía. Hubo intentos antiguos por conseguir capturar una imagen de forma automática, sobre todo mediante el principio de la cámara oscura, que es el mismo de las cámaras fotográficas.
La cámara oscura es un espacio cerrado o recinto, totalmente oscuro, en el que penetra la luz por una abertura en uno de sus costados y proyecta una imagen invertida de lo que ocurre en el afuera. Este principio era conocido desde los tiempos de Aristóteles (alrededor de 300 años a. C.) o más adelante del estudioso árabe Alhazén (alrededor del 900 d. C.).
Las primeras publicaciones al respecto en Occidente aparecieron a partir del siglo XV, como parte de la Revolución Científica en que participaron filósofos como Leonardo DaVinci. Uno de sus alumnos, Cesare Cesarino fue el primero en publicar estos estudios en 1521.
A partir de ese trabajo, científicos como Giovanni Battista della Porta o Gerolamo Cardano experimentaron con la cámara oscura en 1558. En el siglo XVI, el alemán Johann Zahn del siglo XVI, desarrolló estos principios en un aparato portátil de madera, que estaba listo para convertirse en una cámara, de haber tenido cómo fijar las imágenes.
Recién en 1777 el sueco Carl Wilhelm Scheele publicó su tratado sobre las sales de plata y su reacción a la luz. Basados en estos descubrimientos, varios artistas como Giovanni “Canaletto” Canal combinaron las sales fotosensibles con la cámara oscura y lograr alguna suerte de pinturas con luz.
Las primeras imágenes fotográficas obtenidas en la historia son obra del francés Nicéphore Niepce, científico que logró resultados mediante la prolongada exposición a la luz de placas de peltre cubiertas en betún, dentro de una cámara oscura. La primera imagen obtenida así fue Vista desde una ventana en Le Gras, de 1826, que tomó ocho horas de exposición a plena luz del día.
En 1827 Niepce conoció a Louis Daguerre y firmaron un acuerdo de trabajo que le dejó a este último todo el conocimiento de las técnicas fotográficas de Niepce tras su muerte en 1833. Daguerre añadió al mecanismo una placa de plata pulida, sobre la cual se producían las impresiones, reduciendo así enormemente el tiempo de exposición.
Así nació el daguerrotipo, bautizado en su nombre. Esta nueva técnica permitía hacer retratos, y fue la forma más conocida de fotografía durante mucho tiempo. Sin embargo, al mismo tiempo y sin conocerse otros inventores como Hércules Florence, Hippolythe Bayard y William Fox Talbot estaban estudiando sus propios métodos para obtener impresiones semejantes.
EL COLODION
Este procedimiento sustituyó al daguerrotipo en la segunda mitad del siglo XIX, ya que permitía realizar copias de la impresión, era mucho más económica y reducía el tiempo de exposición a unos pocos segundos. El colodión húmedo fue inventado por Gustave Le Gray en 1850 y divulgado al año siguiente por Frederick Scott Archer.
Consistía en verter un barniz llamado colodión sobre una placa de vidrio muy limpia y pulida. El colodión era previamente sensibilizado en nitrato de plata, expuesto todo al mismo procedimiento de la cámara oscura. Una vez realizada la captura, se procedía al revelado en sulfato de hierro amoniacal.
Desde 1855 esta técnica se convirtió en la más empleada y los fotógrafos llevaban encima los implementos para fabricarla, lo cual era aparatoso e iba en contra de la fragilidad de las láminas de vidrio. Finalmente fueron desplazadas por las “placas secas” al gelatino-bromuro.
LAS PLACAS SECAS AL GELATINO BROMURO
Inventadas en 1871 por Richard Leach Maddox y perfeccionadas en 1878 por Charles E. Bennet, constituían un salto adelante respecto al colodión húmedo. Permitía obtener negativos en vidrio que se podían positivizar sobre papel para hacer copias de la foto.
Esta técnica empleaba también láminas de vidrio que eran recubiertas de una solución de bromuro de cadmio, agua y gelatina sensibilizada con nitrato de plata, y luego expuestas en una cámara oscura a la imagen que se deseaba capturar.
Con las “placas secas” se permitió emplear materiales secos y reducir el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, algo muy cercano a la posterior fotografía instantánea. Algunos de sus más importantes fabricantes en Francia fueron los hermanos Lumière, célebres inventores del cine, así como Guilleminot et Cie y Agfa.
LA FOTOGRAFIA A COLOR
Durante el siglo XIX se intentó obtener fotografías a color. La primera fue obtenida por James Clerk Maxwell en 1861, a través de la toma de tres fotografías consecutivas con un filtro rojo, azul y verde cada una, para luego superponerlas en una proyección y obtener los colores deseados.
Sin embargo, no hubo forma de fijar los colores a la foto y generalmente las fotografías del siglo XIX y principios del XX eran coloreadas a mano, usando acuarelas, óleos u otros pigmentos.
La primera placa fotográfica a color fue patentada en 1903 por los hermanos Lumière, y llevada en 1907 a los mercados comerciales bajo el nombre de Autochrome. Con soporte de vidrio, se basaban en un sistema de rejilla de puntos semejante al que luego tuvo la TV de color.
La película fotográfica a colores fue inventada recién en 1935, por la empresa Eastman Kodak y comercializada como Kodachrome (utilizada hasta 2009). En 1936 la versión de Agfa, llamada Agfacolor, llegó para quedarse.
LA PELICULA FOTOGRAFICA
El filme fotográfico fue inventado en 1884 por el estadounidense George Eastman, usando largas tiras de papel recubiertas con emulsión fotosensible.
En 1889 inventó la primera película flexible y transparente, en tiras de nitrato de celulosa, marcando un antes y un después en la concepción de la fotografía. A partir de entonces empezó a emplearse cada vez más el rollo fotográfico, y este fue además clave para el desarrollo de la cinematografía.
EL FORMATO DE 35 MM
En 1920 el inventor y fotógrafo alemán Oskar Barnack introdujo al mercado la cámara Leica, que empleaba un nuevo formato de película: el 35 milímetros, conocido también como formato Leica o formato Barnack.
Este formato revolucionó la industria fílmica y del cine. Consistió en una película pequeña, del formato 135 de 35 milímetros de ancho, con una relación de aspecto de 3:2 y un tamaño en la diagonal de unos 43mm. Pensado inicialmente para el cine, abarató enormemente los costos de fabricación de las cámaras y permitió su popularización, naciendo así los fotógrafos aficionados.
LA CINEMATOGRAFIA
EL CINE
1.-Creación del cinematógrafo
3.-La percepción de movimiento aparente
4.-Personas importantes en la historia del cine
5.-Las tecnologías de la proyección
6.-Hollywood y el Star System
7.-Cine mudo
8.-El cine sonoro
9.-El cine en color
10.-Cine digital
11.-La creación del lenguaje cinematográfico
12.-Los géneros cinematográficos
14.-Crisis de Hollywood y nuevos rumbos del cine
15.-Cine de autor contra cine de productor
16.-Porque se le llama 7 arte al cine
17.-Los blockbuster
18.-La música en las películas BSO
19.-Bollywood, el Hollywood de la India
20.-El cine e Internet
21.-Películas que marcaron hitos en la historia del cine
22.-Directores famosos del cine
Luis Buñuel, Stanley
Kubrick Akira Kurosawa Steven Spielberg
y George Lucas
23.-Actores famosos del cine
24.-Premios del cine: Oscar festivales de Cannes, Berlín, Venecia
25.-Cine peruano
MUSICA CONTEMPORANEA
26.- Que es música contemporánea
27.-Cuales son los géneros o tipos de la música contemporánea
28.- Características de la música contemporánea
29.- La música contemporánea en el Perú
31.- Medios de difusión de la música
32.- Formatos de grabación
33.- Plataformas de música
ARTE EN EL SIGLO XXI
34.- Grafitti
35.-Arte digital
36.- Arte en internet
37.- Que es el arte en el siglo XXI
38.-Los museos en el siglo XXI
39.- Folklore en el siglo XXI
40.- Que es cultura
